Los “Horizontes perdidos” de Alberto Romero

Cuenca y Altea han dejado su huella en la memoria de Alberto Romero, paisajes a modo de cicatrices que revelan un lirismo repleto de matices en forma de manchas, goteos, sombras, luces, rasgados, pinceladas…

Paisajes que, en sus primeros años, muestran referentes visuales claros pero que, con el paso del tiempo, se van desvaneciendo, dejando paso a una necesidad, inmanente, de libertad. Desembocaduras, auroras, ciudadelas, desfiladeros… que cada vez se vuelven más abstracción, en la búsqueda de la verdad, de la esencia más pura.

Capas y capas de pintura que ocultan y a la vez desvelan, que pasan por una amplia paleta de colores a modo de cuento visual, azul ultramar, de cobalto, violeta de Marte, verde esmeralda, rojo de cadmio, amarillo óxido, tierra de siena, ocre dorado, negro humo, negro carbón, blanco de china…

Lienzos que al final son GESTO, ímpetu cargado de nostalgia, a veces, incluso, de cierta tristeza, unión directa del pincel al corazón, sensible,  profunda y compleja poesía. Gesto cuya inmediatez e instantaneidad contrasta con la revelación del espacio pictórico como espacio de pausada y meditada contemplación.

 

  • Si te digo PINTURA, ¿cuál es la primera palabra que surge en tu cabeza?

Vida.

Ciudadela en la arena

Ciudades de arena

  • Si te nombro tu ciudad natal, Cuenca, ¿qué recuerdo emocional y qué recuerdo visual te vienen a la cabeza?

Cuenca es para mí la infancia en mi barrio del Escardillo. Fue allí donde tuve constancia de ser Yo, y donde empecé a pintar a los 15 años. Todo lo que ha sucedido después ha sido un discurrir errático buscando un espacio donde volver a ser feliz, como lo fui allí. La pintura me ha ayudado a recorrer el camino de la vida, tal vez buscando otro Escardillo, que abandoné para sentir la aventura de vivir, porque allí paradójicamente, era demasiado feliz.

  • ¿Y si en vez de Cuenca, te nombro Altea?

El descubrimiento de Altea en el 1.964 fue, sin lugar a dudas, un deslumbramiento. El reconocimiento de un lugar que, supe en el acto, sería crucial en mi vida con un gran efecto emocional.

  • Dime un/a o unos/as artistas que te hayan influido a lo largo de los años en tu obra y otro/a al que admires.

A lo largo de las distintas etapas (porque en una carrera dilatada como la mía, hay distinta etapas, distintos intereses, distintos “yo”) me han influida muchos, me es imposible hablar de uno. Sí te puedo decir que en un principio fue Monet, después Cézanne, luego una serie de pintores figurativos y abstractos: Hopper, Tapies, Bacon, De Kooning, Twombly. Ahora sobresalen Monet y De Kooning. Nunca me ha interesado el Hiperrealismo, ni Antonio López. Tienes cuadro de formato variado.

Imagen extraída de la página web: www.smb.museum

Cy Twombly: School of Fontainebleau, 1960; Collection Marx © Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Jochen Littkemann / Courtesy Cy Twombly Foundation

  • Tienes unos cuadros-golosina (o así los he que he bautizado yo) pequeños y luego están los de tamaño más grande. ¿qué diferencias a la hora de enfrentarse a unos y otros hay?, ¿qué te aporta cada uno?

Las distintas escalas tienen que ver con el estado anímico en el que empiezo a pintar. Hay días, sobre todo por la tarde, después de la pequeña siesta, en los que el impulso creativo y la energía decaen. En lugar de atacar un gran lienzo donde es el cuerpo entero el que se implica como en una batalla, hecho mano de formatos pequeños donde es la mano y la muñeca solamente las que actúan. Así, que podríamos decir que los pequeños son debidos a momentos de debilidad física (y mental, tal vez). Aunque, a veces, sirvan como punto de partida para cuadros  más grandes.

  • En la historia de tu obra, vemos cómo hace años tu pintura se movía en el realismo, como en la obra “Madre” o en “La escalera”. Como llegas a la casi total abstracción que estás haciendo ahora viniendo de ese realismo?

Cuando empecé a pintar no tenía idea de la pintura, del arte. Veía en las paredes de la casa de mis padres las pinturas del abuelo Fermín que representaban el paisaje de las hoces, del río que serpenteaba entre chopos bajo los balcones, y me gustaba comparar la realidad con la interpretación pintada. Así que empecé a verlo todo con ojos de pintor: las sombras violeta, las nubes difuminadas en el azul, los espatulazos de ocre, gris y azul de las rocas. Creo que fue así como nació mi vocación y, naturalmente, empecé a pintar paisajes de las hoces. Pero eso sí, nunca busqué rincones pintorescos, de esos que salen en las postales, reconocidos por todos. Después, a través de libros y revistas de arte me sumergí en el impresionismo: Cézanne, Gaugin, Van Gogh…, luego los expresionistas alemanes del Blau Reiter… Después, en la Escuela de Bellas Artes, empecé a componer cuadros con figuras, siempre femeninas, recluidas en interiores más o menos inquietantes. Esos cuadros tuvieron gran importancia en mi producción de muchos años, acercándome a los realistas americanos Wayath y Hopper. Pero llegó un momento en que todo aquel dispositivo de imágenes empezaba a “acartonarse”, y la sombra de la repetición me acosaba. Quería cambiar, hacer algo que expresase más directamente mis emociones: quitaba, añadía, borraba, pretendiendo liberar el cuadro de vana retórica, pero no encontraba el camino. En ese tiempo, vi reproducida en la revista Art News la obra abstracta de De Kooning “Primavera”: algo se desencadenó dentro de mí.  Me di cuenta de que no era necesario contar nada para emocionar, de que la pintura se bastaba sin la anécdota, y de que toda aquella literatura adherida a mis cuadros con mujeres desnudas, espejos rotos, escaleras a ninguna parte, etc., eran elementos propios de la fotografía, del cine. Yo conocía la obra de los componentes del grupo “El Paso”, que seguían la estela del expresionismo abstracto americano, pero hasta ese momento, con el descubrimiento de De Kooning, no me di cuenta del mundo que había pasado desapercibido para mí. Seguía pintando mis historias con mujeres, pero había en mi interior una semilla que años después, cuando viajé a los U.S.A. permaneciendo una larga temporada, invitado por el Comité Conjunto Hispano-Norteamericano para la difusión de la Cultura Española, y al contemplar la obra de estos artistas directamente, esa semilla fructificó, invadiendo  todo el dispositivo pictórico que ya se tambaleaba. Corté por lo sano. Empecé a despojar mis cuadros de “relato”, de pretender contar una historia, de hacer más literatura que pintura. Había comprendido que había suficientes soluciones plásticas en la pintura pura para desarrollar, buscando el paisaje mental con los mecanismos del recuerdo; el cuadro, concebido como parte de un vasto universo revelado por la propia acción pictórica, con los sueños y recuerdos de la naturaleza y los mil horizontes que han rodeado nuestra propia existencia.

 

  • Crees que es una evolución natural en los artistas?, ¿se es consciente de esa tendencia o va ocurriendo sin darte cuenta?

Yo no puedo hablar de todos los artistas, puedo hablar de mí. Para mí, ocurre por necesidad. Yo no digo: “ahora voy a pintar figurativo; ahora abstracto”. El misterioso equilibrio entre la razón y el instinto, me lleva a rechazar lo que no me resulta cómodo, donde no soy libre. Lo que hasta ese momento tenía toda la legitimidad de ser indagado, puede acabar siendo un lugar trillado, ya conocido, reiterado, que hay que desechar. Habrá artistas que repitan sus fórmulas toda la vida. Supongo que se encontrarán cómodos…, o se engañan. No es mi caso. Para mi, como te dije al principio, la pintura es vida y libertad. Como no soy el mismo en cada etapa; como no es lo mismo tener 20 años que 50 que 70, y como ocurren cambios también en derredor, necesito buscar lo que en cada momento se adecua a mi necesidad expresiva; y es bueno que así sea, tanto en la búsqueda de la creación transfigurada de la naturaleza, como en la abstracción total. El pintor realiza frente al lienzo un cuerpo a cuerpo, transformando la materia inerte y pasiva en una acción llena de pasión y energía esperando que el resultado le satisfaga. No puede engañarse.

  • Los colores que utilizas al pintar responden al instinto, al recuerdo, a la emotividad del momento en el que pintas o a un compendio de todas ellas?

Primero al instinto, y la situación emocional del momento. El color que elijo tiene que ver con cómo me siento… El cuadro tiene también sus reglas, te dirige a lugares con colores que no tenías planteados al inicio.

  • Has expuesto en Alemania, Holanda, U.S.A, Portugal… ¿hay diferencias en la concepción del arte con respecto a España?

En la actual Aldea Global, todo se simultanea: las noticias, los espectáculos, los acontecimientos políticos y sociales… y el arte. En el cinquecento solamente eran los reyes, los papas, y las familias más poderosas los que podían acceder al arte, y eran algunos artistas los que creaban escuela en sus talleres, siendo su difusión  mínima y a través de grabados que solamente  muy pocos privilegiados conocían. Entonces, Miguel Ángel, Leonardo, Durero, etc., creaban escuela en sus países. Hoy todo se difunde simultáneamente y a todo color; el Digital Art inunda las redes sociales; el Photoshop ayuda a transformar imágenes; la Infografía propaga imágenes con distintos programas…, es decir, que cualquier muchacho inquieto y de cierta sensibilidad, no importa de qué país, sin conocimientos del oficio del arte y con sólo saber utilizar el ordenador, puede crear imágenes “artísticas”, y ya no importa de qué país provengan: es lo mismo.

Almadraba

“Almadraba”, Alberto Romero

  • Ahora que viene ARCO (Feria de Arte Contemporáneo) ¿cómo ves el mundo del arte actual?

Para un viejo que lleva pintando 60 años con la misma técnica de Rubens (bueno, en los últimos años he hecho concesiones al acrílico, mea culpa), comprenderás que no esté demasiado pendiente de lo que se cuece en las grandes Ferias mediáticas, aunque a veces haya participado en ellas y me entere. He vivido el impresionismo, el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo, el art brut, el op-art, el pop-art, el hiperrealismo, el expresionismo abstracto, el arte conceptual…, bla, bla, bla. A mí, el Giotto, (siglo XIII), me parece modernísimo.

Desembocadura

“Desembocadura”, Alberto Romero

  • Soy una curiosa con respecto a lo que lee la gente, ¿qué estás leyendo ahora mismo?, ¿un libro imprescindible para Alberto?

Como me ocurre con los pintores, me es imposible decidirme por unos libros, por un libro, son muchos a lo largo de la vida los que me han conmovido y me han afectado en las distintas etapas. Resumiendo: el primero, a los 12 ó 13 años fue La isla del tesoro (Stevenson) viviendo la aventura en primera persona. Después la Vida de Cellini, y a través del tiempo: La Regenta (Leopoldo Alas), Rojo y negro (Stendhal), El paraíso perdido (Milton), El libro del desasosiego (Pessoa), En busca del tiempo perdido (los siete tomos. Proust), Ulises (Joyce), Memorias de ultratumba (Chateaubriand), El castillo (Kafka), La montaña mágica (Mann), Residencia en la tierra (Neruda), Lolita (Nabokov), Mientras agonizo, El ruido y la furia (Faulkner), El ángel que nos mira (Wolfe), Trilogía de la carretera (Cormac McCarthy). Ahora mismo estoy leyendo tres: Alto riesgo (Russo), Historias de Berlín (Isherwood) y El libro de los Baltimore (Dicker). Desde que en los años 70 leí por primera vez En busca del tiempo perdido, es mi libro-s de cabecera, mi biblia y guía espiritual. (POR CIERTO, ME LOS TIENES QUE PRESTAR, AL MENOS UNO PARA QUE EMPIECE!!)

  • Y por último, ¿qué es lo próximo que tiene en mente Alberto?

Pintar.

 

MIL GRACIAS ALBERTO!!!!!!!

La magia de la sencillez, “Handmade” Rufete

Rufete es claramente y desde el primer (y hasta el último) vistazo, CORAZÓN.

Un corazón que guarda, sin candados, humildad, sencillez y calidez, y así lo muestra a través de sus esculturas.

Se le intuye una inteligencia reservadamente pasmosa y una creatividad que le bulle en la mirada y, detrás de esa aparente timidez, Rufete atrapa, Rufete es hogar. Así te lo hace sentir.

Si te nombro la palabra “escultura”, ¿qué es lo primero que te viene a la mente?

Pues una de las primeras cosas que me viene a la mente es la foto en blanco y negro de Brancusi, sentado en una gran piedra, con brazos cruzados y una mirada profunda… y Giacommetti en su taller con las esculturas y una montaña de escayola en el suelo…. Me encanta ver las esculturas en los talleres de los escultores…

4f71047

Constantin Brancusi Autoportrait dans l’atelier, vers 1933-34 Négatif gélatino-argentique sur verre, 12 x 9 cm Legs Constantin Brancusi 1957 AM 4002-727 © Adagp Paris 2007

alberto giacometti in his paris studio, 1954. photo by ernst scheidegger

Giacometti en su taller. Foto: Ernst Scheidegger. 1954

¿Qué le inspira a Rufete?

Gracias a internet podemos saciar nuestras curiosidades y encontrar fuentes de inspiración, conocer artistas como Caspar Berger, Zadok Ben David, Tomas Libertiny, Gwon Osang

 

Lo importante es mantener viva la curiosidad y las ganas de aprender… y por supuesto no parar de trabajar

Estudiaste BBAA en Valencia, ¿cuál es la huella más significativa de tu paso por la Facultad?

En Valencia tuve grandes compañeros de trabajo, y también grandes profesores, Vicente Orti te enseñaba cómo levantar piedras sin tocarlas… quien le conoce no vuelve a ser el mismo (Yo misma doy fe del poder de ese gran Maestro). También la Beca Erasmus que cursé el último año en Holanda fue impresionante, donde pude participar como asistente en EKWC (European Ceramic Workcentre). Fue un periodo de aprendizaje muy intenso.

piezavicenteorti

Pieza del escultor Vicente Ortí. Foto extraída de su página web.

 

Trabajas con hierro, cerámica, madera, latón… ¿tienes alguna debilidad por alguno?, ¿por qué?

No destacaría ninguno, quizás el más importante para mí sería la escayola, pues muchas veces al trabajar mediante molde en las piezas de hierro, cerámica, céntimos empleo la escayola como soporte y la dedicación y cuidado es a veces mayor que con el material definitivo de la escultura.

 

Tienes dos piezas, una de cuerpo entero y otra que es un busto, esta última por cierto, seleccionada para el  XIX CERTAMEN NACIONAL DE PINTURA Y ESCULTURA CIUDAD DE MELILLA.…, realizadas con céntimos, ¿cómo surge la idea?

Me encontraba realizando trabajos con pequeños fragmentos de hierro y un compañero de trabajo me enseñó un puñado de céntimos pegados a un imán… ahí fue cuando comencé a probar cómo se podían soldar.

 

Tienes unas libretas de bocetos en las que dibujas casi de manera compulsiva, ¿qué es lo que podríamos ver en esas hojas si pudiéramos echarles un ojo?

El dibujo para mí es muy importante. Es sin duda la forma de expresión gestual más rápida y directa de expresar tu estado de ánimo, tus inquietudes…. Podemos encontrar en mis libretas infinidad de siluetas monotrazo que muchas veces me abren el camino para realizar las esculturas.

 

Realizaste un taller de forja con el escultor Martin Chirino, que formó parte del Grupo El Paso junto a otros grandes como Antonio Saura, Manolo Millares, Manuel Rivera, Rafael Canogar, Luis Feito, Manuel Viola, Antonio Suárez, Pablo Serrano, Juana Francés y los críticos José Ayllón y Manuel Conde, ¿qué tal la experiencia?, ¿qué atesoras de la vivencia?

La escultura de pies de forja fue la obra que realicé en el curso. Fue una experiencia apasionante. Sobre todo porque me desconectó de mi trabajo y me pude dedicar al 100 por 100 a realizar una obra en forja en los Altos Hornos de Gijón, que fue donde se realizó el curso, con otros escultores. En ese curso coincidí con grandes amigos por lo que me encontré en un fantástico ambiente de trabajo.

img_3771

¿Hay algún material que no hayas tocado aún y tengas curiosidad por trabajarlo?

El vidrio está ahí… pendiente.

Gran cantidad de tu obra hace referencia a la figura humana, ¿Por qué?

Me apasiona el proceso de realizar esculturas figurativas mediante molde. Es un proceso fascinante trabajar con la huella y texturas del cuerpo, cómo al realizar moldes con vendas de escayola estamos creando una nueva piel, y cómo nos permite posicionarnos en el interior del molde, que es como estar dentro del cuerpo. A la vez, y sin darnos cuenta, estamos parando el tiempo, estamos construyendo y retratando tridimensionalmente un cuerpo que nunca volverá a ser el mismo.

 

¿Qué pieza aún no ha realizado Rufete y no se saca de la cabeza?

Son muchas las piezas pendientes… pero quizás la serie de piezas que trata del injerto hombre-árbol que va rondando desde hace tiempo, sea unas de las que más insiste en salir a la luz.

Eres técnico de taller en la Facultad de BBAA de Altea, ¿qué es lo que no puede faltar en el taller personal de Rufete?

Ruido. El silencio me desconcentra, y aunque esté dibujando, la música me es imprescindible.

¿Después de “Handmade”, tu última exposición, qué viene?

Hacer una exposición individual siempre motiva, ves cómo las piezas interactúan entre ellas y aunque son creadas individualmente te das cuenta cómo funcionan en su conjunto.  En mente se encuentra realizar piezas nuevas, catalogar y actualizar web.

1

 

MIL GRACIAS RUFETE!!!!!!!

 

 

 

Búsqueda continua, de Sari Miró

“El arte nos permite encontrarnos a nosotros mismos y perdernos al mismo tiempo.”
Thomas Merton

“Aprende las reglas como un profesional para poder romperlas como un artista.”
Pablo Picasso

Con una chispa vibrante en los ojos y una sonrisa humilde aparece, siempre, Sari Miró.

Una mirada que siempre anda buscando más allá de lo que se ve a simple vista y a poco que le mires a los ojos, con  sinceridad, se te desvela.

A lo Robinson Crusoe, Sari, a nivel personal como en su obra, busca, rebusca y vuelve a buscar un algo que, aunque sepa que no existe, no dejará de intentar encontrarlo. Inquietudes que, como los calcetines en la chimenea en Navidad, llenan de ilusiones cada rincón de sus lienzos.

En su torbellino interior, Sari se pierde para encontrarse y volverse a perder… Y ese ir y venir, aunque a veces parezca todo lo contrario, es el que le hace crecer en todos los aspectos.

Rascar, rayar, aguar, volver a tapar y volver a rascar, rayar, aguar… y así, en un continuo ritual que parece no tener fin. Pero lo tiene, y ese fin, es la obra de Sari.

Una obra colorista, repleta de texturas, de arquitecturas que aparecen para luego desaparecer, de bodegones a manchas, a trazos, a corazón abierto, porque si algo es Sari, además de artista, es puro y auténtico corazón.

Berlín

Catedral Berlín

  • Estudiaste para contable y te convertiste en artista que, por la necesidad de aprender y mejorar decide apuntarse a la escuela de Bellas Artes de Alcoy, donde pasa 9 años estudiando el claro/oscuro. ¿Cómo y por qué empieza Sari Miró a pintar?

Mi trabajo en el mundo de la contabilidad fue hace muchísimos años, cuando era muy joven y no fue algo que elegí conscientemente ya que lo que a mí siempre me gustó fue pintar. Es cierto que durante un tiempo, que fue corto, compaginé ambas cosas, a media jornada mi trabajo con los números y por las tardes la pintura hasta que llegó un momento en que mi trabajo fue pintar a jornada completa y fue así como mi trabajo pasó a ser mi pasión, porque la pasión estuvo ahí desde el principio y así sigue hasta hoy.

Años más tarde de ese momento crucial en mi trayectoria,  me formé en la Escuela de Bellas Artes de Alcoy, donde adquirí una perspectiva amplia del mundo artístico y afiancé la disciplina que ya llevaba conmigo durante mis años de producción creativa. Todos estos estudios me abrieron a nuevas oportunidades como cursar estudios como alumna visitante en la Facultad de Bellas Artes de Valencia y la realización de numerosos talleres con artistas destacados del panorama artístico nacional para continuar ampliando mi visión.

Panorámico

Panorámico

Estas oportunidades me hicieron darme cuenta de que cuanto uno más sabe y más se preocupa de saber, más tiene la sensación de todo lo contrario, con lo que supe, que lo que me movería a partir de entonces era mi inquietud de aprendizaje que tomaría el cariz de necesidad vital, de oxígeno.

  • Me comentas que en la escuela de Bellas Artes de Alcoy se trabajaba sobretodo el claro-oscuro y técnica, mucha técnica, lo cual es fundamental para tener una buena base de trabajo, pero ¿crees que se debería, también, hacer hincapié en la construcción de un lenguaje propio?

Lo que sí tengo muy claro es que la técnica es imprescindible para ser respetado como artista, que, al fin y al cabo es lo que deseamos todos, con lo cual, no es que la técnica me parezca fundamental, es que debe estar sin cuestionamiento. En la escuela de Bellas Artes, esta cuestión se entendía a la perfección y así se me transmitió a mí y a otros compañeros; no es un tema baladí y sé que no todo el mundo lo tiene tan claro. Solo en los últimos años de mi estancia en esta escuela, surgió este último debate que comentas, la cuestión del lenguaje propio, cómo se construye, qué cimientos necesita… Junto con el profesor hablamos de todo esto en profundidad y tan solo al principio se nos dejó a algunos alumnos experimentar en nuestra búsqueda plástica  particular, dándonos cierta libertad y siempre apoyándonos en todos los conocimientos adquiridos para más tarde ampliar esta selección a todos.

Considero que lo académico es importante, así como también la libertad de experimentación, la búsqueda de expresión particular, el permitirse dar carpetazo a las normas aprendidas siendo consciente de ello y el dar rienda suelta a lo que uno siente y lleva dentro cuando se enfrenta al lienzo en blanco.

  • Pones y quitas, construyes y deconstruyes, vas y vienes, ¿crees que has conseguido ese lenguaje propio o sigues en su búsqueda?

Yo lo que creo es que no hay dos caminos, el conseguir un lenguaje propio no imposibilita el continuar investigando y “buscando” algo, aunque a priori no identifiques el qué; y por otro lado, el seguir en búsqueda, por decirlo de alguna manera, no significa que no estés creando ya en el presente un lenguaje propio. Esto se me ha revelado en varias ocasiones porque a veces uno mismo no sabe clasificar su propia obra, en cambio, los demás identifican claramente un hilo conductor que el propio artista no ve o que le cuesta ver. Quizás, tenga algo que ver con la perspectiva, el mirar a cierta distancia, no lo sé.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Melancólico destino

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Strecke (díptico)

Por mi carácter, yo cuando pinto, inconscientemente me descubro en la búsqueda de un reto y para ello utilizo todo lo que forma parte de mi mochila, todo lo que tengo a mi alcance. Juego con las formas figurativas,  las abstractas, las veladuras, la calidez de los colores, el collage… dependiendo de, por una parte, lo que quiero conseguir y por otra, lo que el cuadro me va pidiendo, porque sí, la obra tiene capacidad de decisión y cuando eso ocurre, el pintor, que está ahí, es el que debe ponerse a disposición de ella, escucharla, aunque esto probablemente, solo sea comprendido por los que lo han experimentado. Es por ello que construyo y deconstruyo, dibujo y borro, superpongo capas y las vuelvo a quitar… En ese momento, la obra creativa ha tomado el control.

  • Eres una persona con muchas inquietudes que te hacen moverte por tránsitos diferentes, ¿hacia dónde te llevan exactamente en tu pintura esas inquietudes? Y ¿Cuáles son las estrategias que utilizas para plasmarlas?

Sí, la inquietud es algo que caracteriza mi temperamento y como la pintura es una extensión de mí, posiblemente también a mi obra. Mi cabeza nunca para, siempre está trabajando, con las antenas puestas, en alerta creativa que digo yo, a la caza de ideas y con la imaginación a veces desbocada. Cuando vuelco todo esto a la obra, hay una parte consciente de mí, que es estructurada, que sabe lo que tiene que hacer y cómo y luego hay otra parte más caótica que mediante el movimiento empieza desde la acción, a veces sin estrategia previa.  Y algo sorprendente que me ocurre, es que ni yo misma sé el resultado hasta que no llega el final. Así que, supongo que el lugar hacia donde me llevan esas inquietudes todavía no puedo saberlo. Puede que con el tiempo, se vaya clarificando.

Recuerdo a un profesor en mi paso por la Facultad que nos dijo que todo ya estaba inventado pero yo creo que no es del todo así. La reinvención o reinterpretación también puede constituir algo nuevo, que no novedoso, que son dos conceptos distintos.

Todo lo que se va descubriendo se puede utilizar para tu búsqueda personal.

Las estrategias a utilizar por cada artista también son muy personales, no son casuales y responden a un por qué. En mi caso, en ocasiones no tengo estrategia, empiezo a dibujar sin pensar pero me doy cuenta de que detrás de esa decisión siempre hay una línea de razonamiento más o menos clara. Cuando empiezo por ejemplo con manchas, sigo una línea desde lo particular a lo general, lo que se llama desde el mundo científico razonamiento inductivo y es entonces cuando ya puedo identificar las formas que la obra me sugiere, las cuales respeto aunque en algunas ocasiones también me limiten, en ese momento me enfado, doy la vuelta al lienzo y vuelvo a empezar. Otras veces, este razonamiento funciona y lo llevo hasta el final. Hay otros instantes en que mi pensamiento funciona partiendo de lo general a lo particular, es decir, me sirvo de recortes de periódico, una fotografía de una puerta vieja, un viaje, cualquier cosa… y partiendo de ahí empiezo la obra con una dirección nítida.

7-Polisenia - 6 piezas de 30X30 -Acrilico

  • Se percibe en tu obra, sobretodo en el paisaje, una necesidad de acotar y definir los espacios, aunque luego los tapes con capas y capas, sigue el dibujo y la referencia arquitectónica, ¿por qué?

Los años de disciplina siguen ahí, y la geometría de las cosas siempre está presente. Siento que aunque mi yo quiera abandonarlo es automático y por tanto, debe formar parte. No sé por qué no puedo soltar totalmente la forma o lo identificable en una forma mejor dicho, así que, la solución a este “conflicto” pasa por integrar ambos impulsos creativos que existen en mi interior.

  • Y ¿por qué, a su vez, esa necesidad de deconstruirlos?

Tú lo has dicho, creo que es una necesidad, y como tal, es algo más bien instintivo. El cuerpo te pide hacerlo. No es algo que me resulte fácil, es la zona incómoda pues muchas veces quiero y no quiero, hay una lucha ahí. Puede que por la formación tan figurativa que tuve, eso me haya llevado a este lugar pues si no lo hiciera no me retaría a mí misma, que es lo que siempre acabo haciendo. La deconstrucción es una técnica que yo necesito porque es lo que me motiva, con lo que transformar, descomponer, insinuar… son los verbos que preciso.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Tiergarten, Berlín

  • Pintar es solo otra forma de escribir un diario, que dijo Picasso. Hay en tu obra una variación de tonalidades que llama la atención. Pasas de una paleta cálida a una vibrante, para pasar, más tarde, por una más oscura… ¿Pinta Sari según su estado de ánimo?

Es posible aunque no siempre. Sí he observado que, curiosamente, en invierno suelo trabajar obras más oscuras y sin tanto color. Sí influye en mi estado de ánimo cuando no encuentro la inspiración y eso me ocurre cuando desecho ideas que no me aportan esa chispa que necesito porque es vital para mí ilusionarme y desde ahí empezar a trabajar. Si mi estado de ánimo se resiente, no le doy mucha importancia, lo tengo asumido, les pasa a muchos artistas y se suple empezando la obra, aunque ese día, o días, o semanas no sean nada productivos.

  • Además, eres una persona muy entusiasta que salta de flechazo en flechazo, con muchísimas ilusiones que van y vienen a modo de torbellinos de ideas, ¿crees que esto te favorece o a veces se convierte en un handicap?

Creo que no me favorece, demasiadas ideas y conceptos a veces muy distintos es un salto demasiado grande y responde a esa mente caótica que me asalta pero precisamente por eso, es algo que he aprendido a gestionar, el caos mental si aparece es porque me va a ayudar a resolver lo que tengo entre manos, o eso quiero pensar.

  • Quizá ¿por este salto de ilusiones en ilusiones te resulte más difícil UNIR toda tu obra con un mismo hilo conductor?. Sin embargo, ¿no crees que eso mismo ya es el hilo que lo une todo?

Me tranquilizas diciéndome eso, muchas veces pienso: ¿cómo enseño mi obra con temas tan dispares entre sí? Es algo que a los artistas nos dicen que debemos resolver, así que me esfuerzo pensando cómo puedo solucionarlo. Justo a continuación, me surge la idea del cambio y deduzco que mi forma de ser lo necesita, por tanto como Sari es así, que sea el público quien lo haga.

  • ¿Cuál es el siguiente salto, la próxima ilusión que mueve a Sari?

Siempre hay ilusión en mi vida, siempre. El otro día, estaba arreglando mi estudio y me aparecieron varias obras a medio hacer de hace bastante tiempo que en su momento descarté, y eso ahora es lo que me obsesiona y está de actualidad en mi cabeza, sin saber muy bien el motivo de querer retomar esos temas. Seguramente, para la próxima exposición me atreva a hacerlo y me sorprenda a mí misma.

MIL GRACIAS SARI!!!!

Art certifícate

La belleza de lo cotidiano, con Rosa Ripoll

Todo se hunde en la niebla del olvido
Pero cuando la niebla se despeja
El olvido está lleno de memoria

Ah las primicias, Mario Benedetti.

“¡Detente, instante, eres tan bello!”.

Fausto, Johann Wolfgang von Goethe.

Detrás de esa primera impronta de seriedad y lejanía, Rosa Ripoll esconde una sensibilidad a flor de piel y una fragilidad que, tras el cristal de sus gafas, te mira con honestidad.

La obra de Rosa Ripoll habla de lo cotidiano, de lo bonito, de lo amable. Cuenta eso efímero que no dejar escapar como arena entre los dedos. Susurra escenas y paisajes de cuento, pero un cuento sin monstruos, brujos o sustos, más bien un cuento donde bailantes árboles y violetas azules disputan el juego del protagonismo en el plano; donde a poco que prestes atención, veladuras trabajadas con la más absoluta exquisitez, te cantan el fluir de un río.

Rosa posee una mirada de lente de primer plano, captura los detalles y colores de mundos efímeros y cambiantes, cuyas variaciones parecen imperceptibles a simple vista (un naranja más magenta, un cián más verdoso, un amarillo más cálido), pero que para la mirada sensible constituyen un antes y un después.

Rosa Ripoll se sienta, te mira más allá de lo que otros ven y, con seriedad y un aplomo desconcertante, te descubre, con absoluta sinceridad, que, lo que realmente desea, es perderse y volverse a encontrar pintando. Dejar a un lado lo aprendido y lo aprehendido para volver a entenderlo todo de nuevo pero con la mirada, el gusto, el tacto y la sensibilidad de su ahora. Un dejarse llevar que sólo te permite la privilegiada posición del ya conocimiento.

La obra de Rosa es tal cual ella, seria, rigurosa, perfeccionista, pero a la vez, sutil, emotiva y repleta de una exquisita sensibilidad.

  • Si te nombro la palabra PINTURA, ¿qué es lo que primero que te viene a la mente?

Color

rosa1

  • ¿Qué significa pintar para Rosa? 

Forma parte de mi vida desde hace tantos años…
Mi pintura y yo somos una y al mismo tiempo somos paralelas, a veces pienso que
tiene vida propia y que no soy yo la que la dirige, hemos ido evolucionando las dos
juntas y como todo lo que nos apasiona en la vida, es capaz de hacerme muy feliz en determinados momentos o de hundirme absolutamente cuando los resultados no son lo que esperas. Pero esa lucha es algo que forma parte de los que no se intentan acomodar en algo que les pueda parecer correcto.

  • ¿Qué es para Rosa ser “ELLA MISMA” mientras pinta?

Intentar contar algo que tenga que ver conmigo, pero que a la vez pueda ser una
sensación de la que se pueda apropiar el que observa la pintura, la pintura tiene que
ser del que la observa, tiene que ofrecer la sensación de que se puede suspender en
esa ventana, entrar, quedarse porque le transporta, porque le da una sensación
agradable que le apetece tener cerca, por eso es tan difícil hacer de algo tuyo
personal, algo universal. Para mí esa es la meta.

rosa4

  • Tu obra desprende un colorido impresionista, ¿qué es para ti el COLOR? 

El color es para mí definitivo. Tuve un aprendizaje muy académico, pero el dibujo en
este momento no es lo más importante, sí lo ha sido y forma parte de mi adn como
artista. Paulatinamente he ido abandonando la precisión a la hora de trasladar los
conceptos y las imágenes al soporte, para intentar trabajar solo con color, definir mis
contenidos con una percepción subjetiva, valiéndome únicamente del color.

  • Se percibe en tu paleta una predominancia de las tonalidades de colores frío
    (azules, verdes, malvas, violetas…) ¿por qué?

Teniendo en cuenta que es el color que más me gusta, ( el azul),el azul es cielo y mar y esto forma parte de mi entorno mas inmediato. Todos los colores están en todas partes, distribuir la cantidad de cada uno en distintas zonas es lo complicado para que todo tenga sentido y armonía. Aún así el azul con diferencia me marca mucho, no podría pintar sin el azul, además es el color que está en la perspectiva en la lejanía, todo lo que empieza a estar en un segundo plano esta lleno de azul.

rosa3

  • Veladuras, colores pastel, sutilidad, sensibilidad, incluso cierta fragilidad, ¿qué es lo que descompone emocionalmente a Rosa?

Todo lo que tenga que ver con mi familia, soy muy dependiente de ellos y eso forma
parte del discurso escondido en mi obra, la tranquilidad de mi familia es mi
tranquilidad psíquica y es lo que necesito para poder trabajar a gusto. No soy capaz
de trabajar con desazón, inquietud o preocupación. Al contrario que otros artistas,
que de los momentos difíciles hacen su gran inspiración, a mi me desintegra.

  • Y ¿qué la recompone?

Saber que todo está tranquilo, yo siempre digo que mi mente tiene que estar vacía y
para eso tengo que estar tranquila, cuando esto sucede entonces voy creando un
clímax en mi mente, con los elementos que necesito para trabajar y empiezo la
lucha. La música es desde luego un elemento indispensable en esta recomposición.

  • En tu obra se percibe una tendencia a lo bello y lo amable, ¿es así?, ¿por qué?

Porque me gusta agradar, crear buenas sensaciones, no tengo un discurso crítico, no
me gusta lo triste, lo desagradable, la dureza de nuestro alrededor. Intento rescatar
lo bonito porque hay muchos artistas que esto lo hacen definitivamente mejor. Soy
una persona muy pendiente de la actualidad y en mi vida privada soy crítica con lo
que considero oportuno, me siento muy responsable como ciudadana de lo que pasa a
mi alrededor y sé que debemos implicarnos en el cambio que queramos que se
produzca cada día. Pero mi trabajo versa sobre lo habitual pero amable, el mundo
flotante como era descrita la cultura Ukiyo en Japón, cuando las estampas japonesas
hacían arte de lo cotidiano, el tránsito que tenemos nosotros cada día por los
distintos lugares que nos acompañan y que seguirán acompañando a otros que nos
sucederán.

rosa7

  • Eso bello y amable se centra en momentos y retales de paisajes o escenas muy
    concretas, ¿por qué ese mirar tan del ahora, tan de lo efímero?

Lo maravilloso de la vida, son historias mínimas, suceden cada instante, son parte de
una secuencia de imágenes imprescindibles, que si nos las detuviesen y pudiésemos
observarlas desde la distancia, veríamos que lo bello está a nuestro alrededor en
todo momento, rescatar esos pequeños fragmentos de secuencias detenidas en el
tiempo es sin duda una tarea casi imposible.

  • Tu pintura evoluciona hacia el desdibujar, hacia el hacer para, después, deshacer; como si quisieras permitirte el no perfeccionismo, el no virtuosismo, ¿te pide abstracción el corazón?

Como he comentado anteriormente, provengo de una enseñanza férrea en el
academicismo, al cuál le debo todo lo que sé y ello me ha permitido tener una visión
lo suficientemente educada para distinguir lo que me interesa de lo que me sobra,
pero sí que es cierto que voy soltando lastre y quiero desdibujar, desaprender hacer
el camino a la inversa, no me interesa el dominio de la técnica per sé, si no me
conduce a nada más profundo, el hecho de dominar la mano no me atrae, prefiero
que la mente me lleve a dominar algo mas etéreo, sí ; la atmósfera, el viento, el
silencio, el sueño… a través del color. Y esto es, desde luego, una evolución hacia la
abstracción, pero todo es una incógnita.

  • ¿Estás permitiéndote ser algo más libre?

La libertad consiste en coger más compromiso con uno mismo, el enfrentarte a un
lienzo de frente es muy esclavo, pero intentarlo y conseguirlo es verdaderamente
una catarsis. La imagen idílica del artista en total ausencia de normas y salvajemente
libre no es más que eso, algo idílico, el verdadero artista se compromete con uno
mismo, y nadie mejor que uno mismo para exigirte al máximo aunque sepas que no
puedes.

rosa6

  • Eres una persona muy coherente y que se toma muy en serio cada cosa que hace, ¿qué te autoexiges en tu pintura?

Coherencia, consistencia, solidez y sinceridad ante todo, quiero poder defender mi
trabajo porque creo en él, no engañar a nadie. No creo mucho en las casualidades y
sí en el esfuerzo diario; físico y mental, al menos este es mi caso. Si crees en lo que
haces, lo transmites, la gente lo nota, lo sabe.

  • Y por último, ¿dónde quiere llegar Rosa en su futuro más cercano?

Mi objetivo más inmediato es, exponer, poder mostrar mi trabajo en diversas salas
para tener cada vez una visión más objetiva de mi trabajo, a través de los demás. He
estado mucho tiempo en el estudio, sin hacer muchas exposiciones y ahora tengo una
intención clara de mostrar mis paisajes posibles.

Mil gracias Rosa!!!!!!!

“La digestión. Esa mala costumbre” o cómo nutrirse a través de la obra de Imma Mengual

Hablar con Imma no es ni mucho menos una “mala costumbre”, debiera ser una bonita costumbre a adquirir. Imma esconde una timidez que por deformación de profesión parece haber ido dejando atrás, al estilo de Pulgarcito. Profesora asociada en el Departamento de Arte, en el Área de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de Altea y diseñadora, recoge en esa mirada chispeante y atrevida todo un mundo de creatividad.

Detalle tuétano (Imma Mengual)

Detalle tuétano (Imma Mengual)

  • ¿Por qué “La digestión” como leitmotiv? Y, ¿por qué es una “mala” costumbre?

A priori, he articulado este proyecto expositivo de la Fundación Frax, a partir de la habitual acción doméstica del comer, el proceso nutritivo, el acto fisiológico. Pero sólo en apariencia, pues la apariencia al igual que el universo doméstico, sus normas y límites son mis temas recurrentes.

Me sirvo de la analogía digestiva, para deconstruir el microcosmos de la familia social, donde se dan entre otros, los rituales que basados en la alimentación, perpetúan modelos represivos, sexistas, reproducen esquemas de fuerza-debilidad y roles de poder, de sumisión, de dependencia, de alienación, estereotipos más o menos camuflados y que deberían ser obsoletos.

FullSizeRender (2)

Es una manera de conectar más rápidamente con el espectador a través de un hecho que él mismo experimenta todos los días. Y así, me sumerjo en una lucha interior que supone la línea física entre el espacio público y el privado cuyo resultado es esta historia escultórica que comienza en una digestión y acaba en la callada y curiosa mirada del espectador.

Introduzco la segunda línea titular, “Esa mala costumbre”, como recurso para implicar al visitante en ese mundo metafórico en el que lo embarco, distribuyendo las piezas en la sala según:

Lo que te comes
Lo que te tragas
Lo que digieres
Lo que eliminas

Lo que te nutre

Esta frases, rótulos autógrafos, testigos de mis empeños en experimentación, suponen un  juego que me permito en cada proyecto expositivo y que aproximan al observador hacia mis búsquedas conceptuales.

Lo que comienza con una ‘mala costumbre’, acaba adquiriendo un cariz positivo final con ‘Lo que te nutre’, relacionándonos con la cita ‘Lo que no te mata, te hace más fuerte’.

  • Hablas de este proyecto y de anteriores a modo de “storytellings” o historias narradas, pero ¿qué tipo de historias son?

De niña nunca he tenido demasiado apetito, así que el momento de la comida ha sido mi cruz, durante el cual he permanecido mucho tiempo sentada, observando, escuchando, asumiendo y tragando.

Mis padres sufrieron la hambruna de la post-guerra así que la comida para ellos, ha sido un tema de especial importancia para el bienestar familiar. Con la edad, me apercibí de que en mi casa como en todas, lo bueno y lo malo, acontece alrededor de una mesa… o debajo. Cuando hay pena, mejor una comida reconfortante… y cuando hay alegría, ¡a comer y a beber! Era el medio de expresión en la casa de mis padres.

Yo lo he hecho mío y artísticamente comencé recurriendo a los huesos extraídos de ciertas comidas familiares que tenían relevancia expresiva para mi. Y así, hace poco más de dos años, cuando consideré que más allá de las exposiciones colectivas en las que iba participando, tenía un discurso artístico lo suficientemente sólido como para generar un proyecto expositivo, me embarqué en el primero de ellos, “Escenas domésticas o cómo contar una historia debajo de la mesa” donde desplegué mi atlas personal en un trabajo abierto, física y mentalmente, que generé inducida por mis propias ansias de exorcizar historias, desde una mesa, en una comida familiar. Este proyecto fue expuesto en Dénia y se vio ampliado en Elche.

FullSizeRender (5).jpg

Enseguida configuré las siguientes exposiciones individuales “Historias de palacio… para ser contadas despacio” en El Verger, “Domestic constructions” en Leipzig (Alemania), “Érase una vez… Éranse dos” en La Vila Joiosa y “Con la boca llena no se habla” en Dénia.

Todos estos proyectos giran en torno al deseo de recordar y olvidar al tiempo, y suponen un punto de equilibrio para comunicarme, empatizar y compartir.

Una mirada a cómo comemos puede servir para hacernos una idea del tipo de cultura de la que formamos parte. A través de la comida y de nuestros modos en la mesa se crean costumbres y ritos que a su vez reafirman roles y relaciones entre los miembros de una sociedad. De ahí que sea posible obtener un perfil muy claro de un lugar o de una comunidad con solo revisar lo que comen y la manera de hacerlo.

Lo que ocurre con mis piezas es que, quien posa su mirada en ellas se hace rápidamente cuestionamientos porque sugieren preguntas.

  • Estas piezas que susurran historias como el que escribe un cuento, ¿son siempre historias personales tuyas?, ¿cómo creas la materialización de esas historias?, ¿es un acto razonado y meditado o más bien instintivo?

La idea es lo que me mueve.

Mi visión artística es crítica y el sentido artístico de mi obra está en el contenido conceptual que investigo, desarrollo y materializo con una obra generada usando huesos, malla metálica, objetos y utensilios de ciertas comidas.

Mi temática explora, atestigua, cuestiona y critica la realidad actual del entorno político-social, como he comentado con anterioridad, y hace una introspección a mis vivencias domésticas. Por mi parte busco el exorcismo así como la reflexión y la lectura del concepto artístico, por parte del observador.

Comencé recurriendo al lienzo como soporte –aunque invertido–, como marco de mi expresión más íntima. En esos pequeños lienzos despliego ‘imágenes congeladas’, instantáneas que me gusta pensar que son un mix entre la escultura, la pintura, la fotografía y la labor textil del tapiz, planteadas en forma de cronología, como si fueran palabras en una frase que compone una historia más grande.

Preguntas por la forma de materializar estas historias y te diré que es un acto muy razonado, muy meditado y finalmente también, muy instintivo. Ello tiene que ver con mi ámbito de investigación personal y académica. Me explico: la fisiología del ser humano es tan increíble que, somos capaces de generar de manera natural, pulsiones bioquímicas de una potencia tal que si las canalizamos, pueden conducirnos a la creación.

Como en cualquier buena novela, primero están las historias, luego los protagonistas y por último, la acción. Por eso digo que soy una ‘storyteller’ escultórica, una narradora.

La acción transcurre en estado de absoluta inducción bioquímica, dejando expresarse a la historia a través de mi, que soy quien selecciona los huesos, los distribuye en los lienzos y luego, los coso para acabar de narrar la historia.

Y así transcurre la primera parte de la exposición, que hacia la mitad incorpora pequeñas piezas de malla metálica, contenedoras de huesos que en su blancura inmaculada son retenidos en esas cajitas frágiles y cerradas, que poco a poco se van abriendo y descomponiendo, articulando escenas concretas, de espacios domésticos que pretenden repensar los límites de las normas que nos acotan, condicionan y clasifican, aquello que no queremos.

  • En muchos de tus “artefactos” (se deriva de las palabras latinas ars o artis (destreza) y factus (hecho), para designar a los objetos cuya fabricación requiere alguna destreza), como tú los llamas, utilizas, de manera recurrente, huesos de animales (cerdo, conejo, pollo…); ¿qué te cuentan a ti esos huesos?

Lo que hago al usar el término “artefacto artístico” es, como diría el filósofo de arte George Dickie, “ubicar un objeto particular dentro de un cierto marco”.

Me gusta decir que mis piezas son artefactos, actividades creadoras, hibridaciones que trascienden la bidimensionalidad y que me permiten introducir todo tipo de objetos, soportes, dibujos, elementos, etc. dentro de un marco-espacio real o inventado.

Nada en mis propuestas es aleatorio: el número de piezas o elementos, los huesos, la malla metálica, los textos, las sombras, los hilos, etc. En el caso de los huesos, éstos conforman la estructura física indestructible de muchos de los seres vivos, lo que nos mantiene en pie. Para la producción de mis piezas, éstos han sido obtenidos de lo que ha quedado de ciertas comidas con un significado concreto para mi. Pertenecen a diferentes animales a los que recurrimos para alimentarnos: cerdo, conejo, cordero, vaca y pollo. Cada animal, tiene además su propia simbología y dependiendo de qué hueso coloque en qué pieza, refuerza la historia que cuenta. He blanqueado y resignificado los huesos, despojándolos de toda carga negativa y magnificándolos hasta convertirlos en objetos casi sacralizados de signo contemplativo y alto contenido estético. Me interesa mucho la significación, la connotación y el concepto, pero no puedo desligarlos del componente estético.

Me gusta citar al visionario diseñador y tipógrafo Otl Aicher: “El hombre, para bien o para mal, se ha salido de la naturaleza. Se halla ciertamente enraizado en ella, pero es capaz de crearse un segundo mundo, el de sus propias construcciones”. Y es ahí, en ese mundo paralelo donde viven mis artefactos.

  • Comer… coser… hilar… Acciones ancestrales y que se desarrollan normalmente en la intimidad, tienen lugar en tu obra. Parece que quisieras contar desde las entrañas. ¿Crees que el artista crea y habla de su “YO”?, ¿cuánto se expone Imma al crear?

Tomo prestado de los procesos domésticos o situaciones vividas y lo traslado a mis obras, en un intento de cruzar vida y arte.

Coser, bordar y tejer tiene que ver con el papel que la sociedad históricamente ha adjudicado a la mujer y es una de las pocas formas de ocio que a la mujer le estaba permitido.

Simbólicamente, al coser primero herimos con la aguja para reparar después el daño con ese objeto hiriente. El acto de coser está muy relacionado con la compleja vida en familia.

FullSizeRender (12)

Me gusta investigar, observar a la sociedad que me envuelve bajo el microscopio, tanto lo que me rodea más inmediatamente como los movimientos y tendencias globales, porque a partir de la observación y el estudio crítico, descubro ciertas conexiones y desarrollo patrones que me sirven para la expresión escultórica.

Me preguntas cuánto me expongo al crear… ¡mucho!
Quien me conoce, sabe que oralmente no muestro demasiado de mi Yo más profundo, pero no ocurre lo mismo con mis piezas. A partir de esas historias personales que son el detonante para hablar de historias colectivas, expongo mi Yo más íntimo, adoptando esa actitud crítica de la que te hablaba y haciendo cuestionamientos globales que pretendo sean revulsivos. En ocasiones, los proyectos expositivos van acompañados de propuestas didácticas dirigidas a la comunidad educativa de todas las edades y los resultados son esperanzadores. Permea un cierto espíritu crítico entre los más jóvenes.

  • Comentas que muchas de tus piezas son DIÁLOGOS, dime un diálogo:                    – Que te haya dejado huella                                                                                                    – Que te hiciera especial ilusión tener                                                                              – Que tengas pendiente

El primero de los diálogos y que más huella me dejó, fue el que tuve y mantengo conmigo misma. Creo que cuando descubres la voz interior, comienzas a vivir de una manera más sana y es cuando te haces los cuestionamientos propios y ajenos, de ahí surge la ‘prima materia’ nutriente que genera mi obra.

Me hace especial ilusión dialogar con todas aquellas personas que solemos tener cerca y en las que descubres un universo riquísimo con todos los matices, buenos y malos, y ver dónde sitúa cada uno los límites de la norma para poder vivir en su área de confort. Siempre investigando…

Por salud mental, intento no dejar pendiente ningún conversación, pero hay diálogos que en el futuro sí me gustaría tener conmigo misma y se refieren a los límites éticos, la exposición al sufrimiento (y su origen), las consecuencias de las convenciones y tradiciones, y por supuesto, seguir con el juego de las apariencias.

  • Dices que intimas con las formas, pero ¿qué es para ti la forma y de qué manera intimas con ella?

Las formas suponen la parte aparente de los conceptos que manejo, algo así como la representación de la idea, por tanto el intimar con las formas es una consecuencia lógica que tiene que ver con el proceso de ideación, investigación, creación, producción y exposición/acción que sigo.

  • En tus últimas obras, utilizas la SOMBRA y su dibujo como recurso principal, ¿por qué ese juego visual?, ¿qué simbología le das a la sombra?

Desde la caverna artificial que es el ámbito doméstico, da comienzo el juego de las apariencias. En ese punto recurro de nuevo a la malla metálica, pero esta vez descomponiéndola para construir espacios escultóricos mediante sombras generadas por medio de dibujo o bordado, que se proyectan tanto hacia el pasado, como hacia el futuro y que añaden movimiento en el flujo espacio-temporal de las obras.

En estas piezas se produce una conversación con la sombra, mi sombra, ese concepto arquetípico junguiano tan denso de contenido que nos relaciona con el inconsciente y los instintos, el lado oscuro y los impulsos creadores.

FullSizeRender (14).jpg

Y así, construyo estructuras reales o imaginarias (arquiesculturas) donde temores, deseos y esperanzas se dan la mano. Visión filosófica entre la videncia y la interpretación.

  • Hay una serie en la que trabajas con pasajes de “Tao Te Ching” de Lao Tse, ¿Por qué este autor?, ¿por qué este libro en concreto?

Las piezas a las que te refieres contienen la sombra bordada a partir de la malla metálica descompuesta formando espacios e incorporando pequeños huesos ‘humanizados’ que con los pasajes de “Tao Te Ching” que puede traducirse como “Libro del sendero”, construyen cada uno de ellos una historia concreta.

De Lao Tse, poco se sabe salvo que fue contemporáneo de Confucio (551-479 a.C.), pero nos dejó su libro, una de las maravillas del mundo y un manual clásico acerca del arte de vivir.

Tanto en el proceso como en la expresión soy interdisciplinaria recurriendo a cualquier rama de conocimiento como la filosofía, la psicología o la física entre otras ciencias.

  • A nivel intelectual y emocional, que es lo que Imma come, traga, elimina y le nutre?

En este momento de mi vida emocional, intelectual y artística, afortunadamente ya he conseguido digerir muchas de las ‘comidas’ que he tenido en la mesa o a las que he sido invitada. La eliminación y nutrición han sido los pasos lógicos consiguientes.

Ahora pretendo disfrutar nutriéndome con la expresión en todos los niveles de mi vida, que no es poco.

  • Y por último, ¿cuál es tu nuevo banquete, a nivel proyecto?

Mi nuevo banquete es un trabajo en desarrollo, un work in progress que pretende ser elemento inspirador para vida, límites, género, apariencia, sociedad y arte se entrecrucen, mezclen o unan.

Pretendo seguir explorando e investigando sobre la creación, las historias, los procesos inesperados, etc.

Ahora mismo estoy en Mallorca con la exposición individual “Al hilo de la conversación” mientras en paralelo me encuentro sumergida en un par de proyectos colectivos con artistas cuyo nexo común es nuestro origen mediterráneo, en espacios de Valencia, Barcelona, Mallorca o Argelia.

Alicante, Murcia o Alemania están también en mi mapa expositivo inmediato.
Y 2019 viene también cargado de proyectos…

 

MIL GRACIAS IMMA

“Es cuando duermo que veo claro”… loco de una dulce ponzoña…

Josep

Josep

Josep Ros a primera vista es sencillo, respira algo que va más allá de la humildad y se presenta discreto y sosegado. Al segundo vistazo, Josep es de una inteligencia y cultura abrumadora. Transmite aplomo y calma y podrías pasarte horas y más horas hablando de ARTE, HISTORIA, CULTURA O RELIGIÓN, sin que parecieran pasar los minutos, o, eso me pasó a mí, nada más conocerle. El tercer vistazo, ya metidos en su obra, es, simplemente, increíble. Con una pizca de ironía y  canallismo, otra pizca de fantasía y simbolismo y un poco de esos ambientes de caricatura y teatralidad, Josep te saca una sonrisa astuta e inteligente.

  • Estudiaste Bellas Artes y luego Historia del Arte, ¿qué te lleva a estudiar Bellas Artes? Y, una vez acabada esta carrera, ¿qué te empuja a matricularte en Historia del Arte?

Estudié BBAA porque es una pasión desde mi infancia, siempre había querido ser pintor. Alterné los estudios con el trabajo en un taller de escenografía, lo que influyó decisivamente en el carácter teatral de mis pinturas.

Un vez en BBAA surgieron muchas preguntas, no podía entender las nuevas tendencias sin tener en cuenta su evolución. En el Arte, como todo en esta vida, es importante saber de dónde viene o cuáles son sus referentes. Es por esta razón por la que decidí  estudiar Historia del Arte.

  • Existe, en efecto, un camino de regreso de la fantasía a la realidad, y es… el arte, Sigmund Freud. Para ti ¿qué significa pintar?, ¿qué es para ti el arte?

Alguien dijo, no recuerdo quién, que pintar no es un oficio, ni una profesión, sino un estilo de vida, una fuerza que empuja a crear y representar aquello que emociona o conmueve, pero también a plasmar aquello que nos asquea o repugna, aunque esto último venga envuelto en papel de regalo y lazos de colores.

Umberto Eco apreció sobre todo la permanencia de  un denominador común que sería la comunicación con el espectador. Éste sería para mí el nexo que une el Arte a través de toda la historia y que nos permite, llegados a este punto, reivindicar la creación artística y vincularla al imaginario colectivo. De otra forma el Arte queda relegado al criterio subjetivo de unos pocos, alejando cada vez más a la sociedad de la actividad artística, ya sea creativa o contemplativa.

Mermaid´s song (detalle)

“Mermaid’s song”

  • Ya en el título de la exposición se intuye una declaración de intenciones “Es cuando duermo que veo claro”.  ¿Qué sueña Josep?, ¿es tu subconsciente el que prevalece en la realización de tus obras?

El título pertenece a la Poesia de J.V. Foix, del cual he tomado una estrofa.

…Es cuando duermo que veo claro
loco de una dulce ponzoña.
Con perlas en cada mano
vivo en el corazón de una concha.
Soy la fuente de la colmena
y la guarida de la fiera.
O la luna que se afina
en morir ladera allá.
Es cuando duermo que veo claro
loco de una dulce ponzoña…

No sabría decir cuánto hay de subconsciente o de plenamente consciente, o tal vez son los dos al mismo tiempo. En el proceso de creación influye el bagaje que cada cual lleva consigo, en el mío, más que influencias oníricas, existen referencias culturales y circunstanciales y también de estados alterados de la consciencia. Mi trabajo no pretende aproximarse al surrealismo onírico de Breton, más bien sería una reformulación del simbolismo.

LLacuna Estígia

“LLacuna Estígia”

  • En una de tus obras, por ejemplo, “Papaver somniferum”, vemos una figura femenina a modo de Pantocrátor con orejas de Mickey Mouse, cogiendo en brazos un bebé demonio rojo y, bajo, a su derecha, un enano con lazo y coleta, inspirado en un personaje llamado Schlitzie, de la película “La parada de los monstruos“, de Tod  Browning.

Esta pintura encierra un significado bastante siniestro que gira en torno al mundo de las drogas y en concreto al opio cuyo nombre científico de la planta es Papaver Somníferum.

 

Papaver somniferum

“Papaver somniferum”

Cristo Pantocrátor del ábside de Santa María de Boí Taüll (Catalunya)

Pantocrator

Schlitzie

Schlitzie, de la película “La parada de los monstruos”, de Tod Browning

Los tres derivados de esta planta, el opio, la heroína, y la morfina están representados en estos tres personajes, de apariencia divertida, o ingenua, pero cuya relación con cualquiera de ellos termina finalmente en un compromiso, simbolizado por el anillo que lleva la figura central, del que resulta difícil desprenderse.

  • ¿Cómo trabaja tu creatividad a la hora de crear composiciones y personajes?, ¿es algo a lo que le dedicas mucho tiempo o te vienen a la mente de forma inconsciente?

Generalmente me ocupa más tiempo el proceso de creación que el de ejecución, al que también le dedico muchas horas debido a la técnica elegida. A la hora de plasmar una idea no me gusta recurrir a tópicos. Consulto libros antiguos de emblemática y de iconografía  para saber cómo se representaban determinadas ideas en el pasado, pero cabe tener en cuenta que el significado de éstas, si bien en su día podían ser fácilmente identificadas,  pueden no tener hoy en día el mismo significado. Es por esto que introduzco símbolos que puedan ser leídos por un espectador actual, o en todo caso que las imágenes lleven al espectador a hacer su propia interpretación basada en su propia experiencia.

Los temas a los que recurro son muchos y variados, desde la lectura de un poema que me emociona, hasta la más prosaica de los periódicos. Si de repente hay algo que me interesa hago un boceto, un primer dibujo, que voy desarrollando, hasta que me parece convincente, mi intención es no dejar nada al azar.

"Esfinx" (detalle)

“Esfinx” (detalle)

  • Influencias que van desde la pintura clásica europea, el low brow, Baudelaire, la poesía de Vicente Foix, el simbolismo conceptual y francés, los emblemas de Alciato, la iconografía de Ripa… ¿cómo amalgamas un cocktail tan diverso para que parezca un TODO?

El hilo conductor de toda esta amalgama de fuentes que has nombrado está en la manera de representarlas que, como ya he dicho, bebe bastante de los escenarios teatrales. Doy importancia a los fondos y al paisaje, creando planos que den profundidad y esta es una característica de la escenografía y también de la pintura clásica, como lo es también el precepto clásico de situar la figura humana como medida de todas las cosas.

  • Hablando de iconografía como la de Alciato, Ripa, la Hierogyiphica de Horapolo… ¿crees que existe una iconografía colectiva ancestral?

Por supuesto, a lo largo de la historia de la humanidad podemos ver símbolos comunes incluso en culturas distantes como pueden ser, por poner un ejemplo, la egipcia y la azteca, cuyas religiones radicaban en el sol, y cada una desarrolló su cosmogonía en base a esto. En Europa, a partir de la edad media y el renacimiento se trataron de homogeneizar una serie de símbolos que permitirían a la gente, generalmente no letrada, identificar un santo o una virgen, así como también ideas abstractas, como la fe o la caridad, a través de objetos representados junto a un personaje. Parte de esta iconografía pervive en el imaginario colectivo, como puede ser la imagen de un ojo que irremediablemente nos induce a pensar en la vigilancia, en el hecho de ser observados, consciente o inconscientemente, lo cual constituye un debate actual que ya auguraba George  Orwell.

"Transfusió"

“Transfusió”

 Desde luego, actualmente esta  iconografía de carácter hermético ha sido sustituida por marcas de productos, de manera que si viajamos a una parte remota del mundo no nos será difícil reconocer el símbolo de McDonalds, o Coca-Cola.

  • Mark Rayden, Gary Baseman, Nicoletta Ceccoli, Coté Escrivá… son algunos de los representantes del low brow (surrealismo pop). Todos estos artistas trabajan sobre todo con ilustración. Tú necesitas meses para terminar una de tus obras al óleo, ¿has pensado alguna vez soltar los pinceles y pasarte a lo digital?

No lo descarto, pero me gusta mucho el olor de los barnices y obtener  resultados a base de veladuras de óleo, esto puede parecer anacrónico, pero para mí es un “divertimento”.

 

  • Lewis Carroll, Mary Shelley, Tim Burton, Guillermo del Toro… parecen referencias en tu imaginario fantástico, ¿de qué personaje fantástico te hubiese gustado ser el creador?, ¿por qué?

Me pones en un aprieto porque me hubiera gustado crearlos a todos ellos, desde Alicia a Frankenstein, pero si tengo que elegir solo uno, diría que Alicia. Es un cuento muy complejo a mitad de camino entre la realidad y el inconsciente, con una gran carga simbólica en todos sus personajes. Sin embargo, Alicia nos es presentada como un personaje ingenuo dentro de un mundo en el que se acentúan la ansiedad y los comportamientos paranoicos reflejados en el conejo que tiene prisa, y  los comportamientos asumidos que no cuestionamos, como la manía del sombrerero loco con tomar el té a una hora determinada, etc. En definitiva, a través de los ojos de Alicia vemos nuestro mundo reflejado y aumentado.

"Venena Pello"

“Venena Pello”

  •  El espectador que visita tu obra necesita acercarse para ver los detalles y le resulta inevitable mostrar una sonrisa. Tu obra es una mezcla de realismo grotesco y, a veces, monstruoso, con una belleza ácida cuyo fondo posee una clave de humor, ¿es una estrategia para hacer una crítica social?

Definitivamente, sí. Hacer crítica social es  uno de los mandatos que deberían estar presentes en el Arte para que este pueda cumplir con su función, o al menos con una de sus funciones. En estos tiempos en el que el mundo está tan convulso, el Arte no debería ser ajeno a los movimientos sociales en los que está inmerso, nunca lo ha estado.

"La meua lluita"

“La meua lluita”

  • Un poco más allá, crees que tu obra muestra la banalidad del presente?, ¿consideras que la sociedad actual necesita nuevos modelos moralizantes, a la manera de los emblemas de Alciato?

La moral está influida por el relativismo cultural, creo que sería más acertado en un mundo globalizado hablar de ética por tener un carácter más universal.

No estoy seguro que hubiera que crear nuevos modelos, bastaría con rescatar muchos de los que grandes filósofos como Kant o Descartes propusieron en su momento y que siguen estando vigentes. Nuestras sociedades, y hablo en plural porque parece ser una dinámica mundial, están inmersas en un proceso de mercantilización en el que cualquier cosa es susceptible de comprarse o venderse, y esto incluye casi cualquier cosa, desde bienes a personas. El Arte puede contribuir decisivamente en revertir de alguna forma este proceso que a su vez narcotiza a la sociedad y que la lleva irremediablemente a la idiotez y por tanto a la banalidad.

En muchas épocas el Arte ha tenido un carácter épico y ha sido el revulsivo que ha supuesto un cambio de mentalidad, hablo por ejemplo de los románticos con Delacroix a la cabeza, que se implicó fuertemente en la lucha por la independencia de Grecia.

  • ¿Cuáles son tus próximas fantasías a corto y largo plazo?

Muchas, que espero que dejen de ser fantasías y se conviertan en realidad. Estoy empezando con una serie dedicada al mundo del circo que todavía está en estado embrionario pero que me ilusiona muchísimo.

MIL GRACIAS JOSEP!!

“Un viaje a tu interior” guiado por Montserrat Gisbert

Ella es Montserrat Gisbert

Montse, así, sin más, transmite AMOR.

Amor del bueno, del bonito, del sincero…

Estar con ella es estar con alguien que parece ir pisando a 10 cm. del suelo y que te mira con una sabiduría ancestral.

Posee una magia interior que sale y te atrapa. Esa misma magia es la que desprenden sus obras, llenas de sensibilidad, equilibrio y ternura, aunque te hablen de la tristeza o de la nada.

Como si de una alquimista se tratara, Montse altera los sentimientos más íntimos y oscuros (el miedo, la ira, los celos…) en una experiencia para el conocimiento y crecimiento personal.

Montse nos invita a realizar “Un viaje a tu interior”. Nos invita a que lo realicemos de manera pausada, tranquila, atenta y consciente. Nos propone una auto-batalla de almohadas con nuestro yo más íntimo; Pero, lejos de intentar apartarnos de esos sentimientos que a veces nos dificultan el camino, Montse nos hace conscientes de que, para crecer realmente como personas auténticas y libres, debemos saber recibir, gestionar y buscar el equilibrio entre esas dos mitades, la más luminosa y la más oscura, de nuestro propio YO.

            Un día Maya decidió que era el momento de entrar en su inconsciente.

            Para descubrir qué ocurría más allá de su mente se adentró en las profundidades de su ser. Aquel lugar donde nunca se había atrevido a mirar, donde nunca hubiera imaginado que todo se podía mover.

            Ese hueco interno donde se ocultaba la verdad…

… Así empieza su cuento “Presencia”

  •  El ser humano se siente perdido en un mundo donde no se encuentra, divagando, siendo autómata, todos queremos encontrarnos, pero para ello hemos de hacer un viaje, un viaje a nuestro interior… Ahí encontraremos a nuestro mago.                     

         Así es como nos presentas tu última exposición “Un viaje a tu interior”

         ¿Qué tipo de equipaje debemos preparar para este viaje?

Pues sobre todo debemos llevar una maleta llena de amor y comprensión hacia nosotros mismos, porque para estar bien con todo lo externo primero debemos amarnos, sanarnos y comprendernos a nosotros. Seguramente tenemos que armarnos de valor porque descubrir nuestro interior (nuestro inconsciente) puede no gustarnos y deberemos enfrentar cosas que hasta ahora habíamos evitado, como emociones que nos daban miedo sentir. Ahora es ese momento en el que debemos darnos permiso para sentirlas y aprender que ellas están aquí para movernos en la vida. Así que principalmente mucho amor y comprensión.

Ilustración

Ilustración “El Mago”

  • Como en Ítaca, de Kavafis, el viaje en sí y todos sus avatares nos llenan de conocimientos, pero cuál es el aprendizaje que Montse nos quiere mostrar?

El aprendizaje siempre es el mismo, en todas las culturas y mitologías el ser humano nos trasmite lo mismo. Todos hemos oído hablar del Oráculo de Delfos, donde iban los antiguos griegos a resolver sus dudas. En esa inscripción pone: “Conócete a ti mismo y conocerás el universo” porque cuando uno se conoce, conecta con su sabiduría interna y su felicidad, aprende cómo funciona la vida. Y como somos un fractal del universo entendemos que funciona igual desde el más pequeño átomo, pasando por la vida en la tierra y llegando hasta el vasto universo. Así que el aprendizaje está en conocer qué pasa dentro de nosotros y cómo funcionamos en realidad.

ilustracion-montserratgisbert-post-campo-cuantico-1024x589

Ilustración “Campo cuántico”

  • ¿Quién o qué es ese mago al que encontraremos al final del camino?

Nuestro mago interior nos habla de todas las etapas de la vida de las que tenemos que aprender, son muchos los caminos que podemos escoger y cada uno escoge los suyos, el mago que encontraremos al final será a nosotros mismos una vez hayamos recorrido todos esos caminos que necesitábamos para llegar justo a nuestro corazón y guiarnos a través de él. Ancestralmente se conoce como sabiduría…

  • En tu cuento “El camino del mago”, hablas de convertir nuestro plomo interior en oro, ¿Cuál es esa alquimia que nos transformará?

En la alquimia del ser se clasificaban los metales según el trabajo interior que el ser humano iba transformando para llegar a su esencia. El plomo se atribuía a aquellos que todavía no habían transformado su interior; una renovación física, emocional, mental y espiritual. Una vez hecho el trabajo  se consideraba que el metal se había convertido en oro.

ilustracion-montserratgisbert-post-el-camino-del-mago-1

Ilustración del cuento “El camino del mago”

ilustracion-montserratgisbert-post-el-camino-del-mago-4

Ilustración del cuento “El camino del mago”

  • Y en tu otro cuento “Presencia”, nos presentas a Maya, una niña que se dispone a entrar en su cueva interior para explorar.

  • En el momento en que acepta sus dos mitades, reaparece con ALAS, ¿qué simbología tienen para ti esas alas?

Cuando represento a Maya con alas también la ilustro con cola de demonio, con ello quiero transmitir que tenemos dos partes, una que aceptamos porque parece ser la mejor parte de nosotros y la otra es nuestra parte más oscura a la que no queremos enfrentarnos.

Todos hemos tenido celos, rabia, miedos que no queremos enfrentar y a esa parte Carl Gustav Jung la llamaba la sombra. Lo que vemos en los demás y no nos gusta es aquello que no aceptamos en nosotros, lo que tenemos que trabajar y todavía no hemos hecho y la vida nos lo muestra como un espejo que se refleja en los otros. Por eso cuando Maya sale de su cueva interna y ha aceptado que ella también siente celos, siente rabia y tiene muchos miedos a los que puede verle la cara en ese estado de honestidad, es en ese momento cuando acepta su lado oscuro y su lado de luz, se siente liberada integrando sus dos mitades. Las alas representan nuestra luz y la cola nuestra sombra.

ilustracion-cuento-presencia3

Ilustración del cuento “Presencia”

  • Empezaste tu carrera profesional como diseñadora gráfica, ¿qué te hizo cambiar el rumbo hacia la ilustración?

Yo estudié ilustración, pero profesionalmente me encaminé en el diseño gráfico porque tenía más salida profesional, dejé de lado mis sueñosy seguí el camino marcado por la sociedad.

ilustracion-montserratgisbert-post-tristeza-1024x811

Ilustración “La tristeza”

Pero como todo el que no sigue a su corazón poco a poco se va apagando y cuando llegó la crisis a mí se me brindó la oportunidad de volver a empezar, entonces yo ya veía que las cosas no eran como nos las habían contado y sentía que quería seguir el camino de la ilustración, pero esta vez transmitiendo lo que aprendía sobre el inconsciente, las emociones y más cosas que vendrían después… mi inspiración me llegaba a través de sueños y todo aquello que tenía que ver con el mundo interior del ser humano.

ilustracion-montserratgisbert-post-la-nada-1024x725

Ilustración “La nada”

  • Tus obras son dibujos a lápiz coloreados digitalmente, ¿por qué esta dicotomía? O, ¿para ti es más bien una complementariedad?

Me gusta dibujar a lápiz porque así puedo aprender, coger experiencia y soltarme con el dibujo, el color en digital viene a raíz de mi trabajo en gráfico, tantos años trabajando con ordenadores me dieron una soltura con la que me resultaba más fácil plasmarlo y para mí a nivel interno era como romper una creencia propia o tabú que tenía con el dibujo digital, así que decidí enfrentarlo. De todas formas empiezo a tener ganas de volver a pintar con pinceles y seguro que llegará el momento en que los volveré a coger.

  • Personajes y, sobretodo, animales, forman tu imaginario, ¿Cuáles son las referencias e inspiración de ese imaginario?

Me gustan mucho dibujar animales, no soy consciente del porqué, pero sigo mi instinto y eso me hace feliz. Creo que con ellos se puede jugar más a distorsionarlos, a hacerlos diferentes y siempre quedan graciosos.

Por otra parte mis referentes en la ilustración son muchos pero los que siempre más me han llegado son ilustradores de los que podemos disfrutar hoy en día como Rebeca Dautremer, Ana Juan o Pablo Auladell, para mí han sido importantísimos, de Rebeca sus movimientos y colores, de Pablo su autenticidad y soltura en el dibujo y de Ana Juan su imaginario tan rico, su forma de plasmar el dibujo desde una perspectiva oscura que siempre me ha fascinado.

  • Percibo una sensación en tus ilustraciones y es que los personajes parecen estar flotando en un paisaje etéreo, esa manera de presentarnos tus personajes ¿es consciente?

No para nada era consciente de ello, mi percepción no ha llegado a fijarse en eso. Pero seguramente es así porque al representar otros planos de conciencialas cosas se vuelven más etéreas, más sutiles…

  • Otra sensación que percibo en tus obras es que, aunque estés hablando de sentimientos asociados a lo negativo (tristeza, soledad, vacío…) se percibe un final feliz, como un halo de positivismo ¿es así como entiendes estos sentimientos?

No es que yo haga un final feliz de lo negativo, es que aprendimos que sentir tristeza, soledad o vacío era algo negativo y yo ya no lo veo así. Siento que hay que sumergirse en las emociones porque así llegamos a nuestra esencia y comprendemos qué nos pasa en cada momento de la vida, las emociones no están para amargarnos sino más bien para aliviarnos en los momentos en que estamos saturados o no sabemos qué camino seguir, son como puertas que al abrirlas nos ayudan a relajarnos.

Por supuesto que los momentos duros son difíciles pero aceptando lo emocional, sintiéndolo y liberándolo podemos volver a nuestro equilibrio. Así es como yo siento nuestra parte emocional…

ilustracion-montserratgisbert-post-equilibrio-1024x1024

Ilustración “Equilibrio”

  • Mi intención es transmitir que la vida es mucho más de lo que parece, que cada uno de nosotros tenemos nuestro propio camino, ese camino que nos puede llevar a fluir felizmente con la vida misma. ¿Qué momento de tu vida te lleva a interpretar esos sentimientos negativos en un camino hacia la luz?

En el momento en que dejé de luchar contra ellos y los acepté como un regalo para mi bienestar. Es cierto que cuando te dejas llevar por la vida la magia se va manifestando y las cosas que están hechas para tí llegan a tu vida de una forma fácil y sencilla, es como si tu camino se fuera abriendo solo sin resistencias.

ilustracion-cuento-presencia6

  • ¿Cuántas auto-batallas de almohadas ha tenido Montse para poder mostrar con tanta claridad esas emociones que a los demás nos dan tanto miedo?

La verdad es que muchas y a día de hoy las sigo teniendo, porque seguimos aprendiendo siempre, es un continuo morir y renacer por eso es tan importante hacer cosas que te hagan feliz, cosas de lo más sencillas o cosas grandes, en esencia lo que más feliz te haga. Eso te dará la fuerza para que libres tus batallas interiores y llegues a tu camino, lo que tú sientes que es para lo que has nacido, eso no sólo te hará feliz sino que sentirás que tu vida es plena.

  • ¿Qué futuros viajes tienes a nivel profesional?

Tengo varios proyectos en mente, uno de ellos es seguir ilustrando el camino del mago, las diferentes etapas que le quedan. También quiero seguir ilustrando experiencias que me van pasando en la vida.

Eso a nivel personal y después me gustaría ilustrar cuentos y libros que otros autores han escrito, me hace mucha ilusión ilustrar para los demás proyectos que me hagan sentir bien y que me hagan crecer profesionalmente, así como seguir mostrando con mis exposiciones lo que voy aprendiendo de la vida para que les sirva a los demás en sus experiencias…

Más info sobre Montserrat

Youtube

MIL GRACIAS MONTSE!!