“Un viaje a tu interior” guiado por Montserrat Gisbert

Ella es Montserrat Gisbert

Montse, así, sin más, transmite AMOR.

Amor del bueno, del bonito, del sincero…

Estar con ella es estar con alguien que parece ir pisando a 10 cm. del suelo y que te mira con una sabiduría ancestral.

Posee una magia interior que sale y te atrapa. Esa misma magia es la que desprenden sus obras, llenas de sensibilidad, equilibrio y ternura, aunque te hablen de la tristeza o de la nada.

Como si de una alquimista se tratara, Montse altera los sentimientos más íntimos y oscuros (el miedo, la ira, los celos…) en una experiencia para el conocimiento y crecimiento personal.

Montse nos invita a realizar “Un viaje a tu interior”. Nos invita a que lo realicemos de manera pausada, tranquila, atenta y consciente. Nos propone una auto-batalla de almohadas con nuestro yo más íntimo; Pero, lejos de intentar apartarnos de esos sentimientos que a veces nos dificultan el camino, Montse nos hace conscientes de que, para crecer realmente como personas auténticas y libres, debemos saber recibir, gestionar y buscar el equilibrio entre esas dos mitades, la más luminosa y la más oscura, de nuestro propio YO.

            Un día Maya decidió que era el momento de entrar en su inconsciente.

            Para descubrir qué ocurría más allá de su mente se adentró en las profundidades de su ser. Aquel lugar donde nunca se había atrevido a mirar, donde nunca hubiera imaginado que todo se podía mover.

            Ese hueco interno donde se ocultaba la verdad…

… Así empieza su cuento “Presencia”

  •  El ser humano se siente perdido en un mundo donde no se encuentra, divagando, siendo autómata, todos queremos encontrarnos, pero para ello hemos de hacer un viaje, un viaje a nuestro interior… Ahí encontraremos a nuestro mago.                     

         Así es como nos presentas tu última exposición “Un viaje a tu interior”

         ¿Qué tipo de equipaje debemos preparar para este viaje?

Pues sobre todo debemos llevar una maleta llena de amor y comprensión hacia nosotros mismos, porque para estar bien con todo lo externo primero debemos amarnos, sanarnos y comprendernos a nosotros. Seguramente tenemos que armarnos de valor porque descubrir nuestro interior (nuestro inconsciente) puede no gustarnos y deberemos enfrentar cosas que hasta ahora habíamos evitado, como emociones que nos daban miedo sentir. Ahora es ese momento en el que debemos darnos permiso para sentirlas y aprender que ellas están aquí para movernos en la vida. Así que principalmente mucho amor y comprensión.

Ilustración

Ilustración “El Mago”

  • Como en Ítaca, de Kavafis, el viaje en sí y todos sus avatares nos llenan de conocimientos, pero cuál es el aprendizaje que Montse nos quiere mostrar?

El aprendizaje siempre es el mismo, en todas las culturas y mitologías el ser humano nos trasmite lo mismo. Todos hemos oído hablar del Oráculo de Delfos, donde iban los antiguos griegos a resolver sus dudas. En esa inscripción pone: “Conócete a ti mismo y conocerás el universo” porque cuando uno se conoce, conecta con su sabiduría interna y su felicidad, aprende cómo funciona la vida. Y como somos un fractal del universo entendemos que funciona igual desde el más pequeño átomo, pasando por la vida en la tierra y llegando hasta el vasto universo. Así que el aprendizaje está en conocer qué pasa dentro de nosotros y cómo funcionamos en realidad.

ilustracion-montserratgisbert-post-campo-cuantico-1024x589

Ilustración “Campo cuántico”

  • ¿Quién o qué es ese mago al que encontraremos al final del camino?

Nuestro mago interior nos habla de todas las etapas de la vida de las que tenemos que aprender, son muchos los caminos que podemos escoger y cada uno escoge los suyos, el mago que encontraremos al final será a nosotros mismos una vez hayamos recorrido todos esos caminos que necesitábamos para llegar justo a nuestro corazón y guiarnos a través de él. Ancestralmente se conoce como sabiduría…

  • En tu cuento “El camino del mago”, hablas de convertir nuestro plomo interior en oro, ¿Cuál es esa alquimia que nos transformará?

En la alquimia del ser se clasificaban los metales según el trabajo interior que el ser humano iba transformando para llegar a su esencia. El plomo se atribuía a aquellos que todavía no habían transformado su interior; una renovación física, emocional, mental y espiritual. Una vez hecho el trabajo  se consideraba que el metal se había convertido en oro.

ilustracion-montserratgisbert-post-el-camino-del-mago-1

Ilustración del cuento “El camino del mago”

ilustracion-montserratgisbert-post-el-camino-del-mago-4

Ilustración del cuento “El camino del mago”

  • Y en tu otro cuento “Presencia”, nos presentas a Maya, una niña que se dispone a entrar en su cueva interior para explorar.

  • En el momento en que acepta sus dos mitades, reaparece con ALAS, ¿qué simbología tienen para ti esas alas?

Cuando represento a Maya con alas también la ilustro con cola de demonio, con ello quiero transmitir que tenemos dos partes, una que aceptamos porque parece ser la mejor parte de nosotros y la otra es nuestra parte más oscura a la que no queremos enfrentarnos.

Todos hemos tenido celos, rabia, miedos que no queremos enfrentar y a esa parte Carl Gustav Jung la llamaba la sombra. Lo que vemos en los demás y no nos gusta es aquello que no aceptamos en nosotros, lo que tenemos que trabajar y todavía no hemos hecho y la vida nos lo muestra como un espejo que se refleja en los otros. Por eso cuando Maya sale de su cueva interna y ha aceptado que ella también siente celos, siente rabia y tiene muchos miedos a los que puede verle la cara en ese estado de honestidad, es en ese momento cuando acepta su lado oscuro y su lado de luz, se siente liberada integrando sus dos mitades. Las alas representan nuestra luz y la cola nuestra sombra.

ilustracion-cuento-presencia3

Ilustración del cuento “Presencia”

  • Empezaste tu carrera profesional como diseñadora gráfica, ¿qué te hizo cambiar el rumbo hacia la ilustración?

Yo estudié ilustración, pero profesionalmente me encaminé en el diseño gráfico porque tenía más salida profesional, dejé de lado mis sueñosy seguí el camino marcado por la sociedad.

ilustracion-montserratgisbert-post-tristeza-1024x811

Ilustración “La tristeza”

Pero como todo el que no sigue a su corazón poco a poco se va apagando y cuando llegó la crisis a mí se me brindó la oportunidad de volver a empezar, entonces yo ya veía que las cosas no eran como nos las habían contado y sentía que quería seguir el camino de la ilustración, pero esta vez transmitiendo lo que aprendía sobre el inconsciente, las emociones y más cosas que vendrían después… mi inspiración me llegaba a través de sueños y todo aquello que tenía que ver con el mundo interior del ser humano.

ilustracion-montserratgisbert-post-la-nada-1024x725

Ilustración “La nada”

  • Tus obras son dibujos a lápiz coloreados digitalmente, ¿por qué esta dicotomía? O, ¿para ti es más bien una complementariedad?

Me gusta dibujar a lápiz porque así puedo aprender, coger experiencia y soltarme con el dibujo, el color en digital viene a raíz de mi trabajo en gráfico, tantos años trabajando con ordenadores me dieron una soltura con la que me resultaba más fácil plasmarlo y para mí a nivel interno era como romper una creencia propia o tabú que tenía con el dibujo digital, así que decidí enfrentarlo. De todas formas empiezo a tener ganas de volver a pintar con pinceles y seguro que llegará el momento en que los volveré a coger.

  • Personajes y, sobretodo, animales, forman tu imaginario, ¿Cuáles son las referencias e inspiración de ese imaginario?

Me gustan mucho dibujar animales, no soy consciente del porqué, pero sigo mi instinto y eso me hace feliz. Creo que con ellos se puede jugar más a distorsionarlos, a hacerlos diferentes y siempre quedan graciosos.

Por otra parte mis referentes en la ilustración son muchos pero los que siempre más me han llegado son ilustradores de los que podemos disfrutar hoy en día como Rebeca Dautremer, Ana Juan o Pablo Auladell, para mí han sido importantísimos, de Rebeca sus movimientos y colores, de Pablo su autenticidad y soltura en el dibujo y de Ana Juan su imaginario tan rico, su forma de plasmar el dibujo desde una perspectiva oscura que siempre me ha fascinado.

  • Percibo una sensación en tus ilustraciones y es que los personajes parecen estar flotando en un paisaje etéreo, esa manera de presentarnos tus personajes ¿es consciente?

No para nada era consciente de ello, mi percepción no ha llegado a fijarse en eso. Pero seguramente es así porque al representar otros planos de conciencialas cosas se vuelven más etéreas, más sutiles…

  • Otra sensación que percibo en tus obras es que, aunque estés hablando de sentimientos asociados a lo negativo (tristeza, soledad, vacío…) se percibe un final feliz, como un halo de positivismo ¿es así como entiendes estos sentimientos?

No es que yo haga un final feliz de lo negativo, es que aprendimos que sentir tristeza, soledad o vacío era algo negativo y yo ya no lo veo así. Siento que hay que sumergirse en las emociones porque así llegamos a nuestra esencia y comprendemos qué nos pasa en cada momento de la vida, las emociones no están para amargarnos sino más bien para aliviarnos en los momentos en que estamos saturados o no sabemos qué camino seguir, son como puertas que al abrirlas nos ayudan a relajarnos.

Por supuesto que los momentos duros son difíciles pero aceptando lo emocional, sintiéndolo y liberándolo podemos volver a nuestro equilibrio. Así es como yo siento nuestra parte emocional…

ilustracion-montserratgisbert-post-equilibrio-1024x1024

Ilustración “Equilibrio”

  • Mi intención es transmitir que la vida es mucho más de lo que parece, que cada uno de nosotros tenemos nuestro propio camino, ese camino que nos puede llevar a fluir felizmente con la vida misma. ¿Qué momento de tu vida te lleva a interpretar esos sentimientos negativos en un camino hacia la luz?

En el momento en que dejé de luchar contra ellos y los acepté como un regalo para mi bienestar. Es cierto que cuando te dejas llevar por la vida la magia se va manifestando y las cosas que están hechas para tí llegan a tu vida de una forma fácil y sencilla, es como si tu camino se fuera abriendo solo sin resistencias.

ilustracion-cuento-presencia6

  • ¿Cuántas auto-batallas de almohadas ha tenido Montse para poder mostrar con tanta claridad esas emociones que a los demás nos dan tanto miedo?

La verdad es que muchas y a día de hoy las sigo teniendo, porque seguimos aprendiendo siempre, es un continuo morir y renacer por eso es tan importante hacer cosas que te hagan feliz, cosas de lo más sencillas o cosas grandes, en esencia lo que más feliz te haga. Eso te dará la fuerza para que libres tus batallas interiores y llegues a tu camino, lo que tú sientes que es para lo que has nacido, eso no sólo te hará feliz sino que sentirás que tu vida es plena.

  • ¿Qué futuros viajes tienes a nivel profesional?

Tengo varios proyectos en mente, uno de ellos es seguir ilustrando el camino del mago, las diferentes etapas que le quedan. También quiero seguir ilustrando experiencias que me van pasando en la vida.

Eso a nivel personal y después me gustaría ilustrar cuentos y libros que otros autores han escrito, me hace mucha ilusión ilustrar para los demás proyectos que me hagan sentir bien y que me hagan crecer profesionalmente, así como seguir mostrando con mis exposiciones lo que voy aprendiendo de la vida para que les sirva a los demás en sus experiencias…

Más info sobre Montserrat

Youtube

MIL GRACIAS MONTSE!!

Anuncios

“Deep”, o cómo profundizar en nuestros límites

Proceso realización instalación “Línea de costa”


ARIANNA DE NICOLA, en Deep, realiza una investigación para adentrarse en las profundidades del ser humano.

Los límites físicos y psíquicos, los miedos visibles y los más escondidos…

Un intento de inmersión en lo más profundo de la psique; Un viaje personal de confrontación con uno mismo y de superación.

Más allá del minimalismo y de la sutileza estética, Arianna nos empuja a dar ese salto al vacío que supone superar las barreras que nos inundan el ALMA.

 

  1. “DEEP” ES EL TÍTULO DE TU ÚLTIMA EXPOSICIÓN DONDE MUESTRAS UN TRABAJO MULTIDISCIPLINAR, ¿SOBRE QUÉ QUIERES PROFUNDIZAR CON “DEEP”?

Quiero profundizar sobre el proceso y acto de superación de los limites psíquicos que el individuo siente en un estado emocional, o sea de alteración en el cambio y en la introspección.  Sobre el momento de encuentro con el propio ser. Este encuentro se realiza de manera no matérica sino visceral en la profundidad de la propia intimidad.

  1. EXPLICAS DE ESTE TRABAJO QUE SE DESARROLLA EN TORNO A LA ANALOGÍA ENTRE LA SUPERACIÓN DE LOS LÍMITES PSÍQUICOS Y ALTA MAR, PERO, ¿CUALES SON ESAS SIMILITUDES?

La superación de los límites psíquicos habla de un recorrido astral no concreto que la persona hace como una ruta interior, de aquí nace la necesidad de concretar de manera fisica este recorrido. Llega para mí la necesidad de superar no sólo metafóricamente si no también fisicamente barreras y confines geográficos, en este caso la línea de costa es el confine que separa la tierra firme del mar, en el mar encontramos un punto que se llama Alta mar, que es un punto en el mar, libre de nacionalidad, libre de confines, el límite de los límites o el no límite.

SONY DSC

Foto/vídeo/acción “Deep Sea”

  1. LA REFERENCIA AL MAR ES EXPLÍCITA, PERO ¿QUÉ SIMBOLOGÍA/ SIGNIFICADO TIENE ÉSTE PARA TI?

El mar en la psicología representa el interior del ser humano. Es como un espejo, el mar abre a la reflexión y a la intimidad y como consecuencia nos hace sentir humanos. Es entonces la incursión y el medio que nos acerca a nuestro profundo interior.

Además personalmente desde la infancia tuve una relación profunda con el mar, me enseñó a conocer límites y tener coraje, a no tener miedo a lo desconocido. En este caso me agrada contarte que a los 20 años en NY un señor turco me leyó el futuro en el café y entre varias cosas acertadas me dijo que una mano del mar me iba a coger y a salvar, poco después llegué a Altea.

  1. NOS IMAGINAMOS EL MAR CON ESAS TONALIDADES AZULES, CAMBIANTES, FASCINANTES, PERO TANTO EL VÍDEO QUE FORMA PARTE DE LA INSTALACIÓN (SONIDO EN COLABORACIÓN CON: A[CERO] PROJECT) COMO EL RESTO DE TU TRABAJO ES EN BLANCO Y NEGRO, ¿POR QUÉ?

Amo los colores tanto como el no color, trabajo desde años con el blanco y el negro porque son tonalidades límite, en este caso específico de la imagen que se reproduce en el vídeo en la exposición, el mar representa el interior, el yo, el ego , algo áureo que está en la profundidad, como los abismos del océano que son lo más profundo del mar donde no hay luz.

SONY DSC

“Deep Sea”

  1. ESTE MAR AL QUE HACES REFERENCIA ES UN MAR AL ESTILO DEL CONCEPTO ROMÁNTICO (CON LA SUPREMACÍA DEL SENTIMIENTO Y LA SUBJETIVIDAD FRENTE A LA RAZÓN, APELANDO AL SUJETO ANTES QUE AL OBJETO) O UN RECURSO MERAMENTE ESTÉTICO?

Efectivamente, el mar en el sentido romántico, como medio metafísico que hace ver al hombre su desnudez y, a su vez, es símbolo del inconsciente del ser profundo.

  1. ¿QUÉ DIFERENCIA CONCEPTUAL SE DA EN TU FILOSOFÍA ARTISTICA ENTRE LA ORILLA Y EL HORIZONTE?

La orilla la identifico como la línea de costa que es la línea límite que separa la tierra firme del mar, es el punto límite de salida de cruce para superar un confine geográfico. Mientras el horizonte lo identifico con alta mar, un punto lejos de la costa que simbólicamente se trasforma en el objetivo o liberación.

  1. ¿CUÁLES SON TUS BARRERAS O LÍMITES PSICOLÓGICOS? ¿CÓMO LOS SUPERAS? PARA TI, LA EXPERIENCIA ARTÍSTICA ¿ES UN ACTO DE CONFRONTACIÓN CON ESOS LÍMITES QUE TE AYUDA A SUPERARLOS?

Antropológicamente, la cultura y la sociedad nos impone continuamente límites de todo tipo, depende de la inteligencia de las personas respetarlos o superarlos.

Desde niña el impulso de la práctica artística, tanto en la gestualidad pictórica como en la reflexión sobre el concepto, ha sido para mí como una terapia, la experiencia artística me ayuda en el proceso de desahogo y meditación. El pensamiento, la reflexión y también el impulso de dejarse llevar, hace crecer y tiene que ver con la superación.

 

 

  1. EN TUS ESCULTURAS NO VEMOS CUERPOS ENTEROS, SOLO FRAGMENTOS (UN BUSTO, UNAS PIERNAS QUE PARECEN SUMERGIRSE…) ¿POR QUÉ?

Desafiando el tema de los límites y haciendo referencia a la psique, he querido eliminar del cuerpo la cabeza porque allí se encuentran y provienen los límites psíquicos, mientras el hecho que lo cuerpos se sumerjan en el espacio deja intuir un espacio infinito, sin límites, ademas dejan sitio a la fantasía y a la posibilidad de elegir si ver el vaso medio lleno o medio vacío.

  1. ¿HACEN ALUSIÓN A DESEOS Y PLACERES SEXUALES?, ¿EN QUÉ SENTIDO?

En principio he hecho, a través de estos cuerpos, alusiones eróticas, hablando de la libido y del deseo como impulso del ser humano, seguidamente el análisis hacia el deseo se ha desarrollado de forma etimológica. El deseo no sólo sexual, sino de impulso, de crecimiento y evolución, el deseo en el sentido placentero de realización de uno mismo.

  1. REALIZAS UNA PERFORMANCE DONDE APARECES ENROLLANDO CON MÁS DE 6.000 METROS DE HILO NEGRO, UN CABO. VEMOS LA PIEZA TERMINADA, PERO EN ESTE CASO CONCRETO, LO IMPORTANTE ES LA ACCIÓN, NO EL RESULTADO, ¿ES ASÍ? CUÁL ES EL SIGNIFICADO DE ESTA ACCIÓN?

Confieso que ha sido un trabajo importante para mi investigación, además de inesperado.

He querido representar, a través de un cabo, material utilizado como medio en el mar, la línea de costa que, como ya he dicho precedentemente, es la línea límite que hay que superar para llegar a alta mar, la decisión de vestirlo de negro vuelve a la necesidad de exprimir profundidad a través de este no color.

Recrear, a través de la acción, un mapa como el de la costa a alta mar.

En principio solo se trataba de preparar la instalación, pero a la hora de trabajar me he encontrado con un acto performativo, creando un recorrido que tenia que afrontar, una acción que me ha obligado a la meditación y a esfuerzo físico, 12 horas de trabajo y más de 12 metros de cabo liado con 6.000 metros de hilo, han creado un camino que ha metaforizado la llegada al interior del propio ser. Por cierto, en este caso, la acción es la OBRA.

SONY DSC

  1. COMO HE MENCIONADO ANTES, ERES UNA ARTISTA MULTIDISCIPLINAR QUE SE ATREVE CON EL VÍDEO-ARTE, LA PERFORMANCE, EL ARTE-SONORO, LA INSTALACIÓN, LA ESCULTURA, LA PINTURA, EL DIBUJO… SI TUVIESES QUE ELEGIR UNA FORMA DE EXPRESIÓN, ¿CON CUÁL TE QUEDARÍAS?, ¿POR QUÉ?

Me costaría elegir, porque suelo necesitar el cambio y la experimentación. Posiblemente me quedaría con la pintura porque fue mi primer contacto entre las disciplinas artísticas, empecé pintando, es como un primer amor. En la pintura puedo incluir otras técnicas, aun que en cada práctica artística encuentro una expresión extremadamente performativa.

  1. VIVES EN ESPAÑA Y ERES ITALIANA, CON RESPECTO AL PANORAMA ARTÍSTICO, ¿HAY MUCHA DIFERENCIA ENTRE AMBOS PAÍSES?

Creo que en Italia tenemos una cultura artística más arraigada en general, es un hecho que el mercado del arte está más desarrollado en Italia respecto a España, y económicamente aquí vemos ventas con precios más bajos. Por experiencia personal, un punto a favor vuestro, es la educación, mucho más atrevida que en Italia.

  1. Y, HABLANDO DE MAR Y HORIZONTES, ¿DÓNDE TE LLEVA LA MAREA EN CUESTIÓN DE PROYECTOS?

Lo mejor es DEJARSE LLEVAR, de momento la ola me lleva a volver un periodo a Roma para preparar mi siguiente exposición individual, dentro del 2018, pero de momento no puedo revelar más. Donde me gustaría que me llevase, lo dejo para otra entrevista.

 

Y, por supuesto, será un placer volvernos a encontrar, Arianna.

Mil gracias!!!!!

Más info sobre Arianna

“Una mirada” al Mundo de Raquel

Raquel Puerta Varó, con su obra, te permite echar “una mirada” a su mundo. Un mundo que se descubre ante tí, cuidado, limpio, puro, pero a la vez, rasgado, desgarrado, cosido… Pudiendo parecer una contradicción, resulta ser un mundo de equilibrios perfectos. Tan perfectos, que sabes que hay algo más en su obra, y en ella, que se te escapa.

Al igual que su obra, ella es dulzura y sensibilidad, pero con un fondo salvaje y potente.

Esta ambivalencia es la magia que Raquel transpira.

CLAMOREM, 2017.

  • Eres Doctora en BBAA, profesora, artista, comisaria, ¿cómo se compagina todo esto?Y, como académica, ¿crees que la enseñanza superior de Arte es la adecuada?  ¿Qué se podría mejorar?

Cuando te dedicas a aquello que amas, es fácil compaginarlo, las horas no cuentan porque todo está ligado y una cosa lleva a la otra. Poder desarrollarte en tu campo diariamente y hacerlo desde diversas figuras, es un regalo.

Todo es mejorable, hay que ir evolucionando y eso significa modificar, renovar planteamientos día a día, que es lo que pretendemos en la enseñanza y en nuestro quehacer artístico.

  • ESPACIO DEMOLICIÓN, VISIONES DEL PASADO, PAISAJES INTERNOS, SINFONÍA DE AUSENCIAS Y PRESENCIAS, LIBERACIONES DE LA REALIDAD / LIBERACIONES DE IDENTIDAD / LIBERACIONES DE ESPACIO, UNA MIRADA…, son títulos de tus exposiciones. A simple vista, percibo una insistencia en la memoria emocional con un halo de tristeza, como un mismo hilo conductor, ¿es una manera de traer el pasado al hoy o de trasladar el hoy al pasado?, qué anhelas de ese pasado?

 Considero que debemos conocer el pasado para entender el presente y el futuro. Todo ser anhela el tiempo remoto, aquello que se hizo o que no se hizo, lo que se sintió, lo que se perdió… pero estos hechos afianzan nuestro aquí y ahora.

RAE. DEFINICIÓN 4.

  • Una de tus últimas exposiciones en la “Casa Bardin” se titula LIBERACIONES DE LA REALIDAD / LIBERACIONES DE IDENTIDAD / LIBERACIONES DE ESPACIO         liberar. Del lat. liberāre 1.tr. Hacer que alguien o algo quede libre de lo que lo sometía u oprimía. 

¿De qué necesita liberarse Raquel?

En mi obra presento sensaciones que invitan al espectador a sentir, a recordar o a imaginar, hablo de una liberación tanto física como sensorial, a partir de cierta búsqueda experimental en torno al espacio y a la generación de formas concretas. La acción de liberarse que muestran mis piezas en ocasiones explícita y en otras implícita, no responde a una liberación personal, sino a una propuesta por y para el observador, de reflexión en torno a la situación en la que se encuentra, experimentando y haciendo propias cada una de las obras. Todos necesitamos sentirnos liberados en algún momento y con mis propuestas ofrezco diversas reinterpretaciones, para que cada uno de nosotros se sienta de algún modo liberado al percibirlas.

  • Expiación, Tabla de salvación, Espinario, Ónfalo… son títulos de algunas de tus obras, ¿Eres religiosa?, porque se percibe tanto en las obras, como en algunos materiales usados, cierta crítica a la Iglesia, puede ser?

La religión forma parte de la historia de la humanidad, de su evolución, es un elemento más del entorno y es por ello, que se debe reflexionar acerca de las acciones, pensamientos y repercusiones que se han desarrollado. No pretendo hacer una crítica, me baso en conceptos concretos y los reinterpreto, descontextualizo y reconstruyo un nuevo discurso.

  • Cuchillas que rasgan, imperdibles y agujas que perforan. En tu obra se percibe una agresividad sutil, lesiones que parece que quieras curar… Louis Bourgeois dijo:  El arte es la restauración: la idea es reparar los daños Que se infligen en la vida. Agresividad sutil, lesiones, ¿Tiene muchas cicatrices Raquel Puerta?

Todo ser tiene alguna cicatriz y es por ello, que las piezas que desarrollo muestran este tipo de huellas, ya que mi obra  plantea un análisis de los comportamientos y de  la conducta social del individuo, en las diversas situaciones a las que se enfrenta diariamente. Las acciones que realizo sobre las superficies plásticas tales como concavidades y convexidades, aberturas, oquedades o incisiones, responden a una galería de piezas que se libera, tras haber sido oprimida o herida. Obras que a su vez modifican el espacio, que se proyectan en el entorno, en nuestro entorno, respondiendo a una modificación y una liberación del mismo.

ABRIR,CERRAR, REVENTAR. 2017. Raquel Puerta Varó.

  • Tus obras muestran una especie de combinación entre fragilidad y fuerza, ¿cuál es el mecanismo artístico que hace que ambas se equilibren para no parecer anodinas o sensibleras, ni violentas o agresivas al espectador?

Creo que no hay un mecanismo, cuando me planteo las piezas, se van conformando poco a poco e inconscientemente se van equilibrando o no, dependiendo del mensaje que quiero trasladar. Sí,  es cierto que no me gusta ser excesivamente explícita y literal, prefiero dejar cierta soltura al espectador para que pueda interpretar la obra libremente y hacerla suya. Me interesan las múltiples lecturas que me aportan los observadores, quiero despertar sensaciones no dirigirlas.

MONS VENERIS DETALLE.

  • Tu trabajo es de una poesía íntima más que evidente, tu poesía, pero ¿qué papel juega el espectador en tu obra?

 El espectador es la obra en sí misma, es quien la finaliza y la convierte en arte, en su arte. Considero que este hecho sucede con las creaciones de todos los artistas, sin el observador no hay obra.

EXPIACIÓN. RAQUEL PUERTA VARÓ.

  • Vuelvo a Louis Bourgeois: El arte es una garantía de cordura; ¿crees que el arte es una forma de sanación y cordura?

Por su puesto, el arte es la mejor medicina que hemos podido desarrollar, nos proporciona libertad, nos ayuda a continuar, a comprender, a ser felices. El arte es un lenguaje universal, una herramienta que tanto al que crea como al que lo observa le ofrece una solución y una sanación a su dilemática.

  • En casi toda tu obra vemos casi una monocromía con pinceladas doradas. Blanco y dorado son los colores principales en tu obra, ¿qué simbología transmiten?

El color en mis creaciones es reiterado, ese color/no color, ahonda en la búsqueda de la máxima pureza formal y cromática del blanco. Este tono incita a reflexionar en torno a la liberación, destacando la simbología de los únicos elementos que conforman la pieza, el color, el soporte la acción que realizo sobre la materia. El blanco potencia conceptos tales como honestidad, integridad o moralidad, que invitan a ser cuestionados y a reflexionar sobre ellos.

INTROITO, 2017.

Mil gracias Raquel!!!!!!

Viaje a “Itaca”, o el sentido de la vida

Serena, cauta, más que afable, predispuesta y con una agilidad (no me refiero a la física) resuelta, Martina parece que es capaz de respirar caos y exhalar paz y calma. Es esa amiga que quisieras tener siempre cerca porque sabes que, en cualquier situación, podrás contar con ella y su sonrisa.

Departures 1#2#3#4#5

  • Tus dos últimos proyectos se titulan “The Journey” (el viaje) y “Departures” (partida, salida). ¿Por qué siempre “vas a algún sitio”?, ¿es un viaje, una salida o más bien una huida?

Es el viaje de la vida, el placer de la búsqueda, dentro y fuera de uno mismo; un privilegio para algunos, para otros un sueño, un drama y al final la huida hacia destinos no tan seguros.

And Now, 2014 acrilico su carta, 105x150 cm

Obra del proyecto “The journey”

Departures #2, 2017 mixed media on paper, 40x30 cm

Obra del proyecto “Departures”

  • Kavafis en “Itaca” nos habla del viaje:

    Cuando emprendas tu viaje a Itaca pide que el camino sea largo,lleno de aventuras, lleno de experiencias. No temas a los lestrigones ni a los cíclopes ni al colérico Poseidón, seres tales jamás hallarás en tu camino, si tu pensar es elevado, si selecta es la emoción que toca tu espíritu y tu cuerpo.

    ¿A dónde van tus obras?, ¿dónde te llevan?

En el poema de Kavafis se encuentra el sentido de la vida. Es el mismo viaje en el que encuentro las direcciones a seguir, es como un mapa que halla su forma en el tiempo. El ser humano está siempre en el centro también cuando se presenta en forma de vasija.

  • Pero el tipo viaje que muestras en “The Journey” y en “Departures” se muestra totalmente distinto, este segundo con algo más de pesimismo frente al mundo. Es como si “The Journey” fuera un viaje de placer de ida y vuelta y “Departures” un viaje dificultoso y, posiblemente, sin retorno ¿qué cambio se produce en tu obra?, ¿por qué?

”The Journey” fue un viaje de introspección, entre dudas, miedos, sed de conocimiento y el final feliz del amor que parece aclararlo todo. “Departures” tiene una dimensión más amplia, he pensado en el mundo entero, en el punto de partida hacia un objetivo que a menudo es desconocido, en los grandes y pequeños viajes, en el movimiento de poblaciones y en aquella energía que desde siempre mueve al ser humano hacia nuevas fronteras, mentales y físicas, por placer o por sufrimiento. El camino de la conciencia de que solo a través del prójimo es posible ampliar tus horizontes.

  • Como pregunta Cecilia J. Etcheverry en la pieza sonora que se puede escuchar en la exposición “Departures”, ¿qué diferencia hay entre ir y venir?

Cuando se sale para un viaje no se sabe exactamente lo que se encontrará a lo largo del recorrido; a la vuelta tu experiencia se ha enriquecido con nuevos conocimientos y hay un tiempo necesario de decantación antes de marcharse otra vez.

  • Cierto es que para todos los viajes o partidas no es necesaria una maleta, pero ¿qué lleva Martina en su maleta personal interior/emocional?

En “Departures” se pueden leer muchas facetas de mi trabajo y de mi forma de pensar. El aspecto emocional para mí es muy importante, al igual que experimentar. Utilizo el dibujo y la pintura, la fotografía y las herramientas digitales, la tela, el papel y en esta última exposición quise incluir también la palabra, “Words-All over-Word”, una nota de color negro y una grabación con auricular con el texto y la voz de Cecilia que invitan al espectador a escuchar y le transportan en el tiempo y en el espacio entre grandes y pequeños viajeros con nombres propios…seres humanos.

words-all over world, 2017, spray color, silk, emergency blanket and fabric, 45x85 cm cad.

  • A primera vista, son unas obras muy estéticas, pero guardan un mensaje que se aleja de lo simplemente ornamental. El uso del dorado viene de tiempo atrás, los egipcios, el arte griego, los iconos rusos, y más contemporáneo, por ejemplo, Gustav Klimt. En todos estos casos, el dorado como símbolo de riqueza o de belleza, ¿qué simbología tiene el dorado en tu obra?

El carácter decorativo que impregna mi trabajo más reciente procede de mis experiencias en el design y en la moda. Creo que la decoración y el carácter artesanal tienen un valor importante, que la belleza no tiene fronteras y que se pueden trasmitir contenidos importantes también a través de una búsqueda estética. 

Aquí el color oro preserva simbólicamente la vida, la belleza y la riqueza que la diversidad y el intercambio cultural pueden ofrecer.

  • Hay una obra en la exposición “Departures” que es una única flecha con fondo dorado y puntos de colores. Esta obra está inspirada en una foto que viste de un barco repleto de inmigrantes. ¿Ésa es la partida de la que hablas en este proyecto?

Es un barco de inmigrantes fotografiado desde arriba y las manchas de color son sus ropas. He imaginado una flecha compuesta por seres humanos que corren hacia el destino deseado. Nace aquí “Departures”, de este símbolo que luego ha cogido diferentes formas de salidas.

  • Como menciono antes, tu obra es muy estética, desprende cierta dulzura e incluso alegría, pero “Departures” en algunos aspectos muestra una realidad más dura, ¿cómo se compagina esa dulzura con la dureza de la realidad?

La dulzura y la alegría son sinónimo de apertura y los colores vivaces una llamada a las telas que usan las poblaciones del sur del mundo: las telas usadas para la instalación exterior, llegan de Pakistán y forman una flecha hacia arriba que recuerda la flecha interior en papel y, como las banderas de colores del Tíbet, quieren difundir buenas intenciones en el espacio, llevadas por el viento.

  • La Ruta de la seda, los viajes de Marco Polo… A esto hacen referencia tus ánforas y vasijas. A lo largo de la historia, las migraciones han sido una constante vital y aportaban riqueza, experiencias, intercambios, en definitiva, cultura… Hoy en día, son un problema a gran escala, o eso es lo que se nos intentan transmitir, posicionas tu obra en la crítica social?, ¿crees que el artista y su obra deben ser reflejo de la sociedad en la que están inmersos?

Por supuesto la obra de arte refleja este momento de nuestra historia pero en lugar de la crítica social prefiero la posibilidad de reflexionar que un trabajo puede ofrecer sin tener que utilizar el drama y la polémica. En “The new world” hay un mundo en movimiento, multiétnico, sin desigualdades entre norte y sur; así me gusta imaginar el futuro, seres humanos que, cada uno, busca su lugar en el mundo.

 

  • Utilizas mantas térmicas en tu obra. Estas mantas, cuando se usan dejando la parte plateada hacia dentro y la dorada arriba, retienen el calor corporal, a la inversa, con la parte plateada hacia arriba, rechazan la radiación infrarroja de los rayos solares. Tú las muestras con la parte dorada hacia arriba, ¿cuál es el calor que deseas mantener? ¿son tus obras un abrigo frente al frío de la sociedad?

La nuestra es una sociedad que abusa de la televisión, de las redes sociales y del consumismo olvidándose del placer de una mirada, de las palabras, de los sentimientos y de una ligereza hecha de silencios y de lentitud. ¿Hay siempre más recelo y distancia en algunos países más evolucionados? Es como si el bienestar hubiese anestesiado la curiosidad.

  • Y por último, ¿cuál es, artísticamente hablando, tu próximo viaje?

Mi próximo viaje imaginario sale de Venecia para volver sobre el camino de Marco Polo, por la Vía de la Seda, pasando por el Tíbet, un proyecto ambicioso que espero pueda convertirse también en realidad.

Más sobre Martina

Mil gracias Martina!!!!!

 

La transparencia como leitmotiv

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Granadina que lleva el arte en las venas, Chenia transmite alegría y amor por el arte, su arte, en cada bocanada de aire. A veces nerviosa, a veces tímida, es de esas personas con las que da “gustazo” conversar y que te deja ganas de más al minuto de conocerla. Enamorada de su trabajo, un trabajo exquisitamente cuidado y delicadamente terminado, Chenia me abre un poquito su corazón.

 

  • Has estudiado en una escuela de arte y en una facultad de Bellas Artes, ¿qué diferencia hay entre ellas?, ¿qué te aportó cada una? ¿Ves fallos en el sistema de enseñanza artístico?

Principalmente la gran diferencia es que en la Escuela de Arte, el alumnado suele estar muy perdido, la creatividad es una rareza hasta en el profesorado. Lo veo como un simple tránsito hacia una profesionalización posterior ya en la Facultad. Quizás se debería potenciar que el profesorado sea joven y artísticamente en activo. Porque parece que a la Escuela de Arte van a jubilarse cuatro frustrados que son más artesanos que pensadores. Siendo esto muy poco motivador e injusto para ese futuro universitario que por consecuencia llega con una preparación algo mediocre, para lo que luego se le va a exigir. No hablemos de quién llega a Bellas Artes procedente de otras ramas con ninguna base… se debería hacer un filtro más exhaustivo.

destruction1

Destruction I

  • La creatividad de tu madre, aunque no fuera de manera consciente, tuvo mucha influencia en tu interés por la creación artística, ¿crees que un artista nace o se hace? O ¿ambas se solapan?

Un artista nace y se hace, esto es indudable. No hay fórmula que dictamine esto. Sí es cierto que a quien le viene natural, tendrá que tener algún tipo de reconocimiento diverso de a quien consigue algo de manera forzosa. El entorno es importantísimo porque es quien te enseña y apoyará para perfilar esas cualidades. “Mamá quiero ser artista” es la gran frase que en algunos hogares es bien acogida con entusiasmo por padres que tuvieron una infancia dura y no pudieron desarrollar sus sueños, esto pasó en casa. La desgracia de ella fue mi inspiración y mi gran apoyo. Su creatividad inconsciente y su manera de hacer me marcaron y marcan hasta el día de hoy.

Es cierto que la palabra artista no es solo para quien tenga una sensibilidad especial en este tema, va completamente ligado al hecho de ejercer laboralmente. No sería artista si en realidad me dedico a la compra venta de coches y viceversa, no soy artista por el solo mero hecho de hacer cuatro cuadritos. Esto es un tema mucho más amplio e incluso violentado por otras disciplinas que han adoptado esta etiqueta, como los artesanos, músicos, cocineros que se autodefinen como tal y que han hecho tanto mal al gremio.

Instability                                        Punishment

  • Empezaste con el vídeo desde pequeña, ¿qué es lo que te atrae de esta forma de expresión? Ahora estás en otro lenguaje artístico, ¿por qué lo dejaste un poco de lado?

Cuando era pequeña, el que tuviéramos una video-cámara en casa, era fascinante. No todas las familias la tenían. La magia de poder crear un tesoro compuesto de nuestras propias vivencias que se esfumaban con el viento…conservar esos momentos era más que algo para coleccionar, en cierto modo nos hacía poderosos. Éste fue mi primer contacto con el cine amateur, el cual he tomado como referente a la hora de realizar mis video-creaciones, aunque éstas de manera profesional… están compuestas por vídeos de bancos de imágenes sin derechos de autor creados por otras personas y olvidados en el tiempo. Era fascinante utilizar algo que no tenía ningún escopo artístico para darle una nueva vida. Imágenes sin verso adquirían palabra a través de mi visión.

Sea de manera estática o en movimiento la imagen fotográfica. En un mundo saturado de ellas, sería un pecado traer al mundo más contenido. De ahí que el reciclaje de imágenes sea un punto en el que encuentro mi verdadero interés.

No es que me haya dejado de interesar crear piezas audiovisuales, sólo son una minoría dentro de mi tipología de expresión que he adoptado para realizar mis últimos trabajos. Creo que el estar en un segundo plano viene completamente ligado a la idea de mercado del arte y de lo que el cliente “de andar por casa” es capaz de adquirir para luego darle una sepultura digna en una de sus paredes en casa. Me refiero a que es difícil que alguien venga a comprar un vídeo. Normalmente y tristemente, la realidad es otra.

Es cierto que existe todo un giro en torno al video arte, pero es un camino de espinas, por el cual no encuentro motivación por el momento. Como apuntaba antes, no deja de interesarme. De hecho últimamente lo estoy retomando pero por propio y verdadero amor al arte. Imagino que con todas las vueltas que da la vida, esto se quede en una mera anécdota.

 

  • Etimológicamente la palabra transparente viene del latín y está formada por el prefijo trans- de un lado a otro- y la raíz del verbo parere que quiere decir “aparecer”, es decir transparente es todo lo que deja aparecer cualquier cosa de un lado a otro o a su través. ¿Cuánto de ti aparece en tu obra?, ¿Por qué las transparencias?

De mí hay mucho, porque si no sería un simple vientre de alquiler, no me quiero poner triste. Crear algo aunque no sea autobiográfico dice mucho de uno mismo, simplemente por el mero hecho de que se crea a partir de la propia visión que uno tiene, aunque sea de forma estética.

Quizás mis obras no me describan respecto al mensaje que en profundidad desvela. Pero sí a corto término, con la simplicidad de la composición y el cromatismo apagado. Dicen mucho de mí y de lo que quiero hacer visible. Utilizo la transparencia para donar de verdad al cuento que exhibo, al dejarlo fundirse con nuestro entorno, nuestra realidad y hacer una simbiosis visual.

Este interés por la transparencia, viene de pequeña desde que vi Jurasic Park y la piedra de ámbar con el insecto. Fue algo que marcó mi forma de pensar, cómo conservar algo sin poder tocarlo, ver a través de él. Tan parecido a aquellos videos que mi madre grababa una y otra vez sobre la misma cinta. Donde aparecían cosas de varios pasados y nuestro presente. Todo mezclado formando un collage visual.

Aunque la piedra de cristal conservara el insecto, su peculiaridad era, que fusionaba dos mundos tan distantes pero a la vez tan cercanos, físicamente imperceptible y mentalmente infinito. Era magia y como a todos los niños, algo que nos gustaba. Con el tiempo la idea de transparencia no se hizo transparente y adopté este recurso tras mi rechazo por la opacidad de la obra de arte tradicional. Esto también hizo que me acercara a la proyección y a su tipología de transparencia.

extasis

Extasis

  • En tu obra vemos unas composiciones muy cuidadas, ¿cómo surgen?

Siempre trato de no saturar visualmente. Demasiadas cosas ya hay en nuestro entorno…para los millennials puede que sea demasiado vacío, pero para quien se quiere desprender de todo, no será así. Puede que yo también quiera eso, y que no quiera adornar algo que con menos es suficiente. Todo depende del grado de imaginación y creatividad que tenga el espectador. Esto es algo que me interesa, quién la verá. Si tuviera que rellenar para que la gente entendiera o tuviera su novela no me habría dedicado a esto y sí a la escritura.

Pienso que el pasotismo es algo que no aporta nada, ni siquiera una breve critica. No deberíamos sobrecargarnos de alimento visual para sentirnos llenos y saciados. No es de esto de lo que va la vida. Apuntemos nuestra dieta a la reflexión y dedicación para comprender qué vemos con menos. Y así dejar paso a la propia aportación del individuo sin que le llegue batido y en papilla.

trapped2

Trapped II

scapping together

Scapping together

  • En esas composiciones vemos paisajes misteriosos, desolados, personajes que vuelan en globo, que parece que huyen… ¿Tiene tu obra alguna crítica social?, ¿crees que el arte debe tener ese papel o lo entiendes más bien como algo meramente contemplativo?

EL arte no debemos obligarlo, porque es salvaje por naturaleza. Habrá a quien le guste pintar geranios para contemplarlos y a quien le dé por hablar de actualidad. Considero y quiero esperar que mi obra tiene un poquito de todo. Ante todo contemplación para que nos entendamos, con la mente en blanco (esta es la que más me gusta, porque es evadirse de uno mismo) así es como yo me siento cuando veo una pieza mía. Parece fácil pero no lo es para quien el coco no le para ni un segundo. Para quien decida profundizar sobre el tema…los verdaderos aventureros, reflejo no una crítica, sino un punto de vista sobre cómo el entorno afecta a la sociedad y sus relaciones interpersonales.

Temas enlazados a la evasión en la red, capitalismo, globalización y sus puntos de unión, son reflexiones sobre las que hago hincapié o simplemente reflejo la sociedad en la que vivimos, si lo queremos ver así.

Es cierto que no me gustaría que alguien que tenga una obra mía sobre la opresión (por poner un ejemplo), al observarla no deje de pensar en ello. Seamos realistas no es su único mensaje para la prosperidad. La obra debe mutar hasta el infinito aunque se haya creado con un toque de eso o de lo otro, pero tiene mucho más que decir.

comingfromdarkness

Coming from darkness

  • Estas obras que creas de manera tan delicada, cuidada y limpia, ¿cuándo las vendes te cuesta desprenderte de ellas?, ¿qué significa para ti que alguien desee tener una pieza tuya?

Desprenderse de un tesoro, es siempre duro y más regalándolo a alguien que a veces ni conoces. Regalado porque aunque haya un cambio monetario de por medio, es meramente simbólico porque el arte no tiene precio. ¿Qué precio tiene un hijo tuyo? ¿Difícil verdad? Pues así es, imagino que quien sea más conejo, no le tenga tanto apego a lo suyo. Yo es que soy muy mía, pero como en esta vida todo va por cambios, desgraciadamente se hace de tripas corazón y se cambia por dinero que luego ayuda a seguir en esta locura.

 

  • Hace un año que terminaste un Máster en la Facultad de Bellas Artes de Altea, y ahora, ¿Qué?, ¿cuáles son tus objetivos próximos?, ¿y a largo plazo?

Estoy muy ligada a la investigación, pensar en desprenderme de mi faceta académica me hace sentir mal. Para mí la Universidad es mi casa, confrontar ideas y sentir arropo de quien admiras es impagable. Me siento afortunada de seguir aprendiendo siempre, por ahora estoy preparando la tesis doctoral sobre la transparencia y su relación con el fotomontaje. Un estudio a lo largo de la historia sobre cómo la transparencia ha sido un punto clave en la composición de imágenes para recrear escenas o conceptos más allá de los límites. Y de cómo hoy en día ha tomado tal importancia en nuestra manera de percibir el mundo.

Paralelamente los objetivos a corto plazo son profundizar sobre otros conceptos utilizando siempre la transparencia. Actualmente estoy trabajando sobre una iconografía más elaborada, que no quiere decir recargada. Utilizando otras perspectivas, como la visión aérea en imágenes donde otro factor dominante es el océano y la simbología que ello conlleva. Quiero jugar con la inmensidad ya no del vacío cromático, es interesante como se pueden percibir de la misma manera con la repetición de algo, en este caso, del agua. Tan esencial como la vida misma.

A largo plazo y si me lo permiten, espero no aburrirme.

indecision

Indecision

  • He percibido en ti algo que no había percibido en otros artistas y es la tremenda magia que desprendes cuando hablas de tus obras, como una enamorada, y es algo difícil de percibir, me equivoco?

Cómo no se puede hablar así de algo que es parte de ti, aunque tenga máscara de otra cosa?

No es más que mi amor por lo que nace sin permiso a través de mí y me fascina admirarla como si no fuera yo la que la ha creado. Es un mensaje estético enviado por alguien o algo que desconozco, por eso es increíble. Me siento como la primera persona que descubre la obra y luego se la cuenta a otros. Ajena a que he sido yo.

Me gusta… no lo puedo evitar. Las críticas ya vendrán de otros, sería cruel no admirar lo que hago.


Mil gracias Chenia!!

Más info sobre Chenia

La estafa del Arte Contemporáneo, según Eric Doireau

eric

Artista polifacético, nacido en Francia, Eric Doireau coquetea con la pintura, el cine, la literatura…, pero es en la escultura donde halla su medio de expresión natural.

¿Existe la eternidad para el ser humano? ¿Es el arte esa pócima mágica que nos permite ser eternos?

Los rostros de El Fayum llevan vivos en sus sepulturas más de dos mil años. Doireau recrea esos antiguos retratos para, de alguna forma, traérnoslos al mundo cotidiano y su lenguaje particular; a veces loco, a veces extraordinariamente gestual, a veces sensual…
En sus esculturas expresivas, fundamentalmente de rostros, no sólo percibimos la escultura en su forma más visual, llena de texturas, sino, y también, en su forma más visceral, llena de las emociones del ser humano, que se retuercen, hablan, gritan y nos remueven.
Eric otorga personalidad a cualquiera de las disciplinas artísticas que desarrolle, es puro gesto y sentimiento.
Eric no te deja indiferente, se muestra tal cual es, te lo hace sentir y, eso, se agradece hoy en día.
  • Sin formación específica en escuelas de arte, ¿cuándo y cómo comienza tu interés y andadura en el arte?, ¿cuál es el impulso que te empujó a dedicarte a él?

Siempre lo he sentido dentro, como creo que les pasa a muchos artistas. Se fue despertando poco a poco, pero siempre he tenido un gran interés por la creación en todas sus formas.

He hecho muchas cosas en mi vida, guiones, cine… y al final he caído donde no quería caer, en la pintura y la escultura. Pero me gusta, desde su vertiente más tradicional.

  • Cada vez se ve más gente adulta con otros estudios y trabajo en las facultades de Bellas Artes, como en la de Altea, que decide formarse por pura motivación personal, el no tener formación en escuelas de arte ¿es una elección?, ¿consideras que la educación artística actual es la adecuada?

Creo que los artistas no necesitan una formación específica. No se aprende a hacer arte. Eso sale únicamente de la persona. Lo único que se puede aprender es a descubrirse uno mismo, hacer una introspección para descubrir quién es uno mismo.

Tus experiencias son las que al final te llevan a la creación artística y, para algunos genios, eso nace desde muy temprano, pero realmente creo que a crear arte, no te pueden enseñar.

  • En tus “esculturas expresivas” vemos inevitablemente la influencia del arte clásico tanto en forma (torsos, minotauros, “Medusa”), ejecución y materiales, ¿qué es lo que más destacarías de esta influencia clásica?

Además del arte clásico, lo que me gusta del Arte Moderno es que se centra en el estudio de la naturaleza humana. Si analizamos el arte Moderno, vemos que es un arte que habla sobre la naturaleza, el ser humano de forma libre y positiva, descubriéndonos así el entorno del hombre, su personalidad. Se trata de una filosofía centrada en la búsqueda de la belleza, todo lo contrario que el arte Contemporáneo, que se hace hoy en día, centrado en la política. En la política de una sociedad podrida.

Por eso yo trato de centrarme en el ser humano. El arte creado por el hombre, creo que debe hablar del ser humano y no de otra cosa.

 

  • Una de las características del arte contemporáneo es la libertad en la experimentación con formas, técnicas y materiales como  plásticos, resinas de poliéster, fibra de vidrio, poliespan… ¿por qué el barro para modelar y el bronce en fundición para el resultado final??

El material no importa, pero su elección debe proceder de una elección interna del propio artista.

Por otro lado, creo que el Arte Contemporáneo no actúa con ninguna libertad. Es un estilo dictado por la sociedad en decadencia. Los artistas hacen siempre lo mismo, hablando de la sociedad de una forma u otra, como ensimismados.

Si la libertad se sitúa en este punto, para mí es un absurdo.

Puedes ver una exposición de varios artistas y no saber a quién pertenece cada obra pues todos están haciendo lo mismo, sus obras son iguales. Son iguales aquí, en Nueva York, en Tokio… Todos hablan de lo mismo, de la sociedad contemporánea.

  • Los Retratos de Al-Fayum son algo insólito, pues son retratos hechos por pintores griegos en el Egipto romanizado (s. I y IV a.C.) que cubrían el rostro de las momias. Una mezcla entre el realismo romano y los ritos funerarios egipcios, ¿por qué los retratos de Al-Fayum? Y ¿por qué utilizas sólo el blanco muy matérico sobre negro?

Los retratos de Al-Fayum son algo excepcional en la Historia del Arte. A través de ellos se puede casi conocer una sociedad entera y darse cuenta que hay obras que son atemporales, eternas. Creo que el arte debe ser eterno. Estos retratos, para mí, rescatan la idea de inmortalidad. Los he llevado a mi terreno y transformado a mi modo de hacer, casi escultórico, con mucha materia y, la escayola, me permitía esto.

Descubrí la escayola por casualidad y me encanta la espontaneidad que me da descubrir nuevos materiales.

white painting2_026

  • Tanto en “abstrac women” como en “creative drawings” (dibujos con tinta china sobre papel), volvemos al blanco y negro (aunque la tinta china aguada permite matices de grises) pero con otra sutileza matérica opuesta a los Retratos de Al Fayum, ¿por qué esta paleta de color de nuevo? y ¿por qué este cambio en el soporte y la técnica?

Para mí la técnica no tiene ninguna importancia. Lo que realmente me gusta de estos dibujos es que describen un mundo de hombre, mujer y naturaleza que interactúan entre ellos. A modo del paraíso de la Biblia.

El dibujo para mí es ideal para tratar lo simbólico, pues me permite trabajar de manera espontánea y rápida y que surjan las cosas sin pensar demasiado. Cojo una hoja de papel y dibujo sobre ella sin pensar. Sólo al final, descubro qué es lo que he hecho.

  • Manos, cuerpos, estrellas, lunas, ojos, sexos, pechos… en “creative drawings” ¿has creado tu propio mundo onírico?

Se trata 100% de sexo. Bueno, de mujeres que son la base de la creación. Es únicamente una línea con la idea de expresar la relación entre un hombre y una mujer sexualmente. Buscar una forma de mostrar el acto sexual entre el realismo y lo abstracto, como he comentado antes, sin pensar demasiado, de una forma absolutamente libre. A veces salen cosas muy interesantes.

El arte es una forma de expresión. Creo que el arte expresa cosas del ser humano que no se pueden expresar de otra manera. Un conjunto de cosas que permiten trasmitir una emoción. Lo que yo expreso a través de mis obras no lo puedo hacer de ninguna otra forma.

  • La Bauhauss es la primera escuela de diseño del s.XX y movimiento artístico que aboga por unir todas las artes (artesanía, diseño, arte y arquitectura)  estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana con una máxima “la forma sigue a la función”. ¿cuál consideras que es la función del arte?

El arte pienso que no debe tener ninguna utilidad específica, pero es uno de los pilares fundamentales sobre los que se construye el ser humano

Cada vez que realizo una obra tengo la sensación de haber creado algo nuevo que materializa la expresión de un ser humano en un momento de su  vida, y eso es todo.

  • Señalas a Kafka como influyente en tu trabajo. Son sus obras cargadas de las angustias e incertidumbres que embargan al hombre contemporáneo  inspiradoras de tu última obra “Psychedelic Art”? , ¿Es así como ves al hombre del s. XXI?

(Risas) He hecho muchas cosas anteriormente en vídeo, fotografía… pero de lo que más he disfrutado al hacer “Psychedelic Art” es de la experimentación con la utilización del color.

“Psychedelic Art”es, al final, una introspección personal.

Parece algo como muy loco, porque creo que todos tenemos algo de locura y vivimos en una sociedad loca. Con esta obra, intento darle un toque cómico a toda esa locura.

psyche-4-6

psyche-4-horizontal

  • También hablas de R. Buckminster Fuller, arquitecto y visionario americano que sobretodo destacó por sus numerosos inventos pioneros en diseño y tecnología, ¿Crees que está todo inventado?

No entiendo… (le repito la pregunta y entre carcajadas…)

Cuando nombro en mi página web a este arquitecto, no es por ser una referencia real en mi trabajo,  sino que se trata de una referencia creada a través de una web que realiza textos artísticos (políticos…)de manera automática, que no dicen realmente nada.

Esta es mi manera de participar del Arte Contemporáneo, del cual pienso que es una estafa. Seguir con la estafa es muy fácil. El Arte Contemporáneo se hace en 5 minutos, el arte tradicional requiere mucho más tiempo.

(Por si alguien quiere probar : artybollocks)

  • Tienes una empresa, Art Certificate, que se dedica a realizar certificados de autenticidad para obras de arte, ¿Hay muchos artistas interesados en este servicio o está más enfocado al coleccionista?

Es un  servicio que demandan más los artistas a la hora de vender una obra, acompañándola de su certificado de autenticidad. 

 

 

MIL GRACIAS ERIC, POR TODO

“The end of an era”, by Will Coles

Will Coles parece aún ese chico inglés pelirrojo y tímido que nació en Nuneaton, Warwickshire, Inglaterra, en 1972.

Con mirada sincera e inteligente y una sonrisa vergonzosa, Will se muestra sin artificios, con la ropa manchada de pintura, escayola, cemento… es Will, sin más.

P1010006web

Estudió en Wimbledon & Glasgow Schools of Art y en su página web, willcoles.com,  se autodenomina escultor, street artist y freelance europeo.

Ha expuesto en Inglaterra, Australia, Taiwán… y tiene obra en colecciones y museos de diferentes países.

 

  • Tu abuelo fue el escultor Norman Sillman, ¿qué aprendiste de él?

Me enseñó el arte de los clásicos, forma, composición, el uso del espacio en negativo y positivo. Luego me enseñó los fundamentos de la talla en piedra, el cemento y los moldes de escayola. La mayor parte de lo que sabía antes de entrar en la universidad lo aprendí de él, del arte griego al romano – Medieval – hasta el arte de los años 80. Me enseñó más que la universidad que es en sí mismo un concepto bonito, pero obsoleto, profesores de arte que desde 1970 se hicieron a ellos mismos (y organizaron la educación del arte) sin sentido.

  • ¿Cuándo comenzaste a sentir interés por EL ARTE?

Siempre, siempre he hecho escultura. El único problema fue cómo justificarlo ante otras materias educativas estándar (matemáticas, historia, geografía, etc).

  • ¿Cuáles son tus referentes?  ¿Qué otras influencias se pueden apreciar en tu obra?

Tantos! Miguel Angel sigue teniendo una gran influencia. La mayor parte de su arte fueron retratos, paisajes o porno, era el mejor escultor de porno (La pintura de Caravaggio siempre ha sido el porno más bonito). Rodin es bueno, pero su estilo son cientos de años de teoría del arte de Miguel Ángel. Ian Hamilton Finlay es clásico en su uso del texto en su trabajo, aunque intenta ser también conceptual con el uso de la piedra esculpida. Los artistas de los 1930’s-60 fueron mis bloques de construcción. Henry Moore, Lynn Chadwick, Barbara Hepworth, Julio González y Germain Richier fueron todas las influencias importantes para mí en la adolescencia. Pintores como Francis Bacon y Lucien Freud también fueron importantes entonces. El arte occidental africano fue también una guía importante, todo materia prima  y abstracción, sabiendo las reglas de las figuras pero yendo más allá de ellas. El arte griego es incuestionablemente increíble. Internet está cambiándolo todo, cómo hacemos arte y cómo lo experimentamos, cómo lo vemos. Sólo hemos arañado la superficie de lo que podría ser, sólo tenemos que asegurarnos de que no sea censurado y controlado por los gobiernos y las corporaciones que lo poseen.

  • Realizas torsos , no cuerpos enteros, por qué?

Los torsos son un cuerpo reducido, como un Haiku, te deshaces de los miembros y la cabeza y puede convertirse en algo más. Vemos esculturas figurativas fragmentadas de la antigua Grecia y Roma como un gran arte, a pesar de perder sus miembros, sus rostros expresivos y hasta su pintura, sin embargo, para nosotros a menudo están cerca de la perfección.

  • ¿Por qué la calle?, ¿Qué requisitos debe tener un lugar para que decidas colocar una obra ahí?

La calle es el medio natural para el cemento, para algo que desechamos, basura, como un zapato, una vieja televisión, un sólo guante, una bolsa, cosas que la gente tira o pierde. El cemento, al igual que su entorno urbano, envejecerá, decolorará, le crecerán líquenes o musgos, lentamente se convertirá en parte de su entorno, si no se rompe o se roba primero. 

Rara vez hago trabajos para un lugar muy específico, sobretodo porque hago moldes de las piezas, de 20 y 200 versiones de la misma pieza. Camino y veo dónde encaja, intento encontrar el lugar natural para cada pieza.

  • Los materiales como el cemento, la fibra de vidrio… los escoges por su aguante a la intemperie? Por su fácil reproducción en moldes o por su textura una vez finalizada la obra?

Prefiero cemento para trabajos al aire libre debido a la naturaleza dura porosa del material que también me permite producir en masa, el concepto de hacerlo barato. La resina es divertida pero prefiero usarla para trabajos en interiores, el cemento puede soportar climas extremos y a los humanos.

  • ¿Cómo eliges el objeto a recontextualizar? Al azar? Por inspiración?

A menudo encuentro el objeto (a veces salgo de mi estudio y es como si el universo lo hubiera puesto ahí para mí!) A veces sé la palabra, a veces tengo el objeto mirándome durante un año o dos antes de encontrar la palabra correcta ( Como la pieza ‘olvidado’.) Otras veces tengo la palabra y no el objeto.

  • ¿Te suelen desaparecer las obras a pesar del pegamento que utilizas para que eso no ocurra?, ¿has tenido problemas con los vecinos o legales por la ubicación de las piezas?

Mis piezas siempre desaparecen. Pegué unas 2.000 o más en Australia, y no creo que ni el 10% de ellas esté todavía. He puesto unas 200 en el Albir pero la mayoría de ellas han desaparecido. A veces los limpiadores las eliminan, a veces la gente las roba (porque les gusta o piensan que valen mucho) y a veces los fuckwits (imbéciles) las aplastan sólo por aplastar algo.

Trato de no preocuparme por las legalidades y solo trato de parecer que hago un trabajo. ¡Si actúas sospechosamente te destacas a una milla!

  • ¿Crees que ha influido el street art en una democratización del arte?

Ojalá lo fuera, pero se puede ver la influencia cancerosa de los curadores de arte contemporáneo en el trabajo, ya que definen lo que es arte callejero de acuerdo a sus parámetros. Su limitado conocimiento y experiencia de Street Art & graffiti y también su ignorancia general según lo definido por su idea de clase media occidental de “qué es arte”. En la actualidad, el arte callejero ha sido reducido simplemente a “murales enormes” por un pequeño número de artistas de marca.

  • ¿Cómo llegas a España?

Vine  aquí hace unos 10 años, justo cuando la recesión estaba empezando. Es un gran lugar, difícil de vender arte, pero un gran lugar para vivir y hacer arte. Australia había cometido todos los errores que Gran Bretaña había cometido al menos una década antes y se había vuelto demasiado cara para vivir. Quería un punto de apoyo en Europa, quería participar en una escena más grande, ser desafiado por el arte, el viejo y el nuevo. Sólo llevo dos años aquí, pero ha sido genial hasta ahora.

  • ¿En qué proyectos estás trabajando ahora?

Posiblemente un cambio completo en la forma en que hago las cosas, lo que hago y la forma en que trabajo como artista (de ahí el título “Fin de una era” para la exposición en Frax). Espero algo mucho más conceptual pero sin forzar nada, tiene que ser una progresión natural de mi trabajo actual, orgánico, no forzado.

  • Como artista callejero, ¿te gustaría ver tus obras en un gran museo como el MOMA, la TATE…?

No estoy seguro, incluso mi trabajo más grande (un elenco de tamaño real de un Mercedes) se quedaría pequeño en una gran sala o incluso en algunas de las salas normales. Todo el mundo quiere ver su trabajo en un lugar que ayude a su reputación y poder dedicarse a vivir como artista, en lugar de tener que tener otro trabajo para subvencionar esa carrera.car

  • Hablando con un compañero de tu trabajo, me comentaba que le parecía confuso que escribieras en una de tus obras la siguiente frase “The art is dead, long live to money” (“El arte está muerto, larga vida al dinero”) si piensas que tu trabajo es arte, ¿qué opinas?

Me siento como la mayoría de los artistas, luchando una batalla perdida. Si el ‘Arte de Inversión’ se lleva a cabo simplemente significa que los artistas se reducen a marcas, su trabajo será visualmente indistinguible de otros artistas al igual que su nombre será el valor y el valor será lo que lo hace “gran arte”. En países como EE.UU., Reino Unido y Australia tener estudios superiores en  arte ya te define como clase media o superior. No hay ninguna subvención gubernamental lo que significa que prácticamente ningún artista de clase trabajadora podrá beneficiarse de ella. Cuando estaba en la universidad por lo menos un tercio de mi curso eran de familias de clase trabajadora, eso no sucedería ahora. Cuanto mayor el poder económico, mayor es el deseo de abandonar los estudios y hacer que un taller clandestino asiático o una impresora 3D se encargue de plasmas tu idea y hacer el trabajo por ti. El ‘Arte de inversión’ ha infectado el arte contemporáneo en su totalidad, incluyendo el Street Art donde el artista con la mejor galería (con el mejor PR & Marketing) es considerado el mejor artista, independientemente de la realidad, el Street Art surgió realmente como una reacción.blog2

  • En tu trabajo criticas la sociedad actual (capitalismo, consumismo…) ¿te sientes parte de ella, inmerso en ella?

Creo que si haces el trabajo que quieres hacer y te pagan por él (sean millonarios o cualquier otra persona) entonces está bien, pero si haces el trabajo que crees que les va a gustar o que te exigen entonces eres parte del problema.

  • ¿Qué piensas de las grandes Ferias de Arte?

Las ferias de arte parecen en la superficie algo grande, pero la mayoría son sólo otra capa del “Arte de inversión” de mierda.